Tại LE PUY-SAINTE-RÉPARADE, Pháp, từ ngày 2/4 đến 17/16/2017, lâu dài Château La Coste hợp tác với Luise Faurschou, tổ chức một cuộc triển lãm quy mô của Ai Weiwei mang tên "Núi và biển" - cũng đánh dấu sự kiện ông hoàn thành tác phẩm sắp đặt ngoài trời “Ruyi Path” (Con đường Ruyi) sau 2 năm miệt mài sáng tác. Trong 2 năm qua, Ai Weiwei đã phát triển một dự án dài hơi cho Château La Coste, mang tên “Ruyi Path” - con đường bằng đá hộc trải dài giữa rừng cây quanh lâu đài Château La Coste. Sử dụng các tảng đá cũ thu hồi từ công trường cải tạo cảng Marseille, Ai Weiwei dựng nên tác phẩm hoành tráng “Ruyi Path”, mang tới ‘đời sống mới’ cho những tảng đá Marseille – nơi rất nhiều người từng đặt chân lên khi họ vượt biển đến Châu Âu lần đầu. Sáng tác kỳ vĩ này tích hợp điêu khắc và kiến ​​trúc, truyền thống và hiện đại. Cuộc triển lãm "Núi và biển" gồm các tác phẩm được làm bằng kỹ thuật chế tác diều truyền thống, tham chiếu thần thoại Trung Quốc và trải nghiệm cuộc sống của Ai Weiwei; được sáng tác trong mùa hè năm 2015, khi hộ chiếu của ông được trả lại sau khi bị giam giữ và quản thúc 4 năm.

 (Art Daily)

 

 

 

 

Ai Weiwei, “Núi và Biển”, Château La Coste, các tác phẩm sắp đặt, 2017.

 

Ai Weiwei, “Ruyi Path”, Château La Coste, sắp đặt đá cũ thu hồi từ cảng, 2017.

 

 

Tại LONDON, ngày 19/4/2017, Bảo tàng Chân dung Quốc gia đã công bố tên ba nghệ sĩ và tác phẩm được chốt trong danh sách đề cử giải BP Portrait Award năm 2017 – lựa chọn từ 2580 tác phẩm đến từ 87 quốc gia. Ngày 20/6 tới Ban tổ chức sẽ công bố người thắng giải. Ba chân dung được tranh Giải nhất là “Chân dung kép” của họa sĩ người Pháp Thomas Ehretsmann, miêu tả người vợ mang thai Caroline; “Breech!” của hoạ sĩ người Anh Benjamin Sullivan, mô tả vợ cho con bú; “Emma” của hoạ sĩ Antony Williams, cũng người Anh, mô tả người mẫu và bạn gái. Đây là lần đầu tiên Thomas Ehretsmann và Antony Williams được lọt vào danh sách đề cử Giải Nhất của giải BP Portrait Award. Riêng Antony Williams đã từng được chọn 7 lần cho các cuộc triển lãm BP Portrait Award trước đó; và Ehretsmann đã được chọn để triển lãm vào năm 2016. Benjamin Sullivan từng được trao giải 3 của Hugo Prize năm 2016, và cũng đã được chọn 12 lần tham dự các cuộc triển lãm BP Portrait Award trước đó. Giải BP Portrait Award, một trong những cuộc thi nghệ thuật toàn cầu lớn nhất, cũng là một trong những giả thưởng quan trọng nhất dành cho các họa sỹ chân dung với Giải Nhất trị giá 30.000 bảng Anh.

 (The Guardian)

 

Thomas Ehretsmann, “Chân dung kép”, 2016.

 

Benjamin Sullivan, “Breech!”, 2017.

 

Antony Williams, “Emma”, 2016.

 

 

Tại NEW YORK, ngày 12/4 một đơn khiếu nại được đệ trình lên Toà án về vụ tác phẩm điêu khắc ngoài trời có tên là “Trinity Root” (Rễ cây xứ đạo Trinity) đã bị xứ đạo di dời khỏi nơi nó được lắp dựng trong một thập kỷ nay với lý do ‘vướng víu và xấu’ (?!). Luật sư đại diện cho điêu khắc gia Steve Tobin trích dẫn Đạo luật Bảo vệ Quyền của các nghệ sĩ thị giác (VARA), được pháp luật thông qua vào năm 1990 để bảo vệ quyền của nghệ sỹ và tác phẩm. Tác phẩm này cũng là một đài tưởng niệm các nạn nhân vụ khủng bố 11 tháng 9, miêu tả một cây sycamore kỳ diệu đã che chở nhà thờ khi nó bị nhổ bật khỏi mặt đất. Phải mất 3 năm, Tobin và nhà thờ xứ đạo Trinity mới đạt được thoả thuận khai quật hệ thống gốc và rễ của hiện vật và biến nó thành một tác phẩm điêu khắc tưởng niệm bằng đồng, và đã được nhà thờ ban phước. “Trinity Root”, là đài tưởng niệm duy nhất và đầu tiên ở Lower Manhattan gần một thập kỉ, cho đến khi Đài tưởng niệm 11/9 và Bảo tàng được mở cửa đón công chúng vào năm 2012. Số phận của tác phẩm “Trinity Root” sẽ được Tòa án quyết định.

 (Art Daily)

 

 

Tác phẩm điêu khắc “Trinity Root” của Steve Tobin trong ngày lắp dựng, 8/9/2005 tại New York.

 

 Tác phẩm điêu khắc ngoài trời “Trinity Root” từng được trẻ em và du khách rất thích thú.  

 

 

Tại AMSTELVEEN (gần Amsterdam, Hà Lan), từ 14/4 đến 9/7/2017, Bảo tàng Jan van der Togt trình bày tổ chức triển lãm hồi cố của nhiếp ảnh gia Hà Lan Micky Hoogendijk. Triển lãm “Qua mắt người khác” phản ánh những bức chân dung dễ bị tổn thương và vẻ đẹp của con người dưới ống kính tác giả. Năm 2009, Micky Hoogendijk nhận được món quà cuối cùng từ người mẹ sắp mất: một chiếc máy ảnh chuyên nghiệp. Sự kiện đã thay đổi vĩnh viễn cuộc đời cô. Năm 2010, cô chuyển đến Los Angeles và đã dùng món quà của mẹ để chụp những bức ảnh chân dung nghệ thuật, và theo Micky: “Qua con mắt của người khác, tôi thấy lại chính mình.” Tác phẩm độc lập của Micky Hoogendijk đã được giới thiệu tại nhiều triển lãm lớn ở Austin, Bogota, Cologne, Houston, Istanbul, Los Angeles, Mexico City, Santa Fe, Tokyo và Washington và Hà Lan. Các tác phẩm độc lập của Micky Hoogendijk đã được giới thiệu tại nhiều triển lãm lớn ở Austin, Bogota, Cologne, Houston, Istanbul, Los Angeles, Mexico City, Santa Fe, Tokyo và Washington và Hà Lan.

(Art Daily)

 

 

 

 

Micky Hoogendijk và một số tác phẩm tại triển lãm. ©Micky Hoogendijk.

 

 

Tại MUMBAI, Ấn Độ, từ ngày 9 đến 30/4/2017, Bảo tàng thành phố Mumbai mang tên Dr. Bhau Dại Lad phối hợp với Sanskriti và Marg Foundation tổ chức triển lãm quy mô nhan đề “Văn hoá thị giác Ấn Độ: Chinh phục thế giới bằng hình ảnh”. Triển lãm đưa ra quan điểm phê bình về vai trò của nghệ thuật đại chúng Ấn Độ trong thế kỷ 19 và 20 đối với việc xây dựng bản sắc văn hoá, xã hội và quốc gia. Những tác phẩm nghệ thuật thị giác mô tả Ấn Độ thế kỷ 19 – 20 phản ánh sự chuyển đổi văn hóa và công nghệ trong môi trường thuộc địa và những tiếp xúc công nghệ mới với châu Âu. Triển lãm không chỉ thể hiện những thay đổi về các phương pháp in ấn và lưu hành rộng rãi các tác phẩm nghệ thuật thị giác tại Ấn Độ đã ảnh hưởng rộng rãi đến bản chất của niềm tin và tôn giáo ở Ấn Độ, mà cũng cho thấy nghệ thuật đã trở thành một phương tiện góp phần thúc đẩy phong trào dành độc lập và tinh thần yêu nước của người dân Ấn Độ.

(Asianart.com)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©The Dr. Bhau Daji Lad Mumbai City Museum.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, gallery Stephen Haller mới thông báo tổ chức Pollock-Krasner đã quyết định trao tặng Giải thưởng Lớn cho nữ nghệ sĩ nhiếp ảnh Kate O'Donovan Cook - khoản tài trợ hào phóng này sẽ cho phép nghệ sĩ tiếp tục sáng tạo ra những tác phẩm lớn trong tương lai. Tổ chức Pollock Krasner Foundation từ lâu đã là một nguồn lực hỗ trợ quan trọng cho các nghệ sỹ thị giác. Được thành lập từ năm 1985 bởi nghệ sĩ trình diễn Lee Krasner – vợ góa của Jackson Pollock - Quỹ này thừa kế tài sản của cả hai nghệ sĩ lớn, với mục đích duy nhất là hỗ trợ tài chính cho các cá nhân nghệ sĩ có tài. Sinh ra tại San Francisco, Kate O'Donovan Cook đến New York vào năm 1997 để theo học nghệ thuật tại Sarah Lawrence College, lúc đầu là hội hoạ, sau đó chuyển sang nhiếp ảnh. Quan tâm tới mối liên hệ giữa tác phẩm nghệ thuật và tâm hồn con người, Cook đã tiếp tục theo học tại Silberman School of Social Work at Hunter College. Kate O'Donovan Cook hiện đang ở đỉnh cao sự nghiệp. Các viện bảo tàng lớn đánh giá tác phẩm của bà là “cầu nối lịch sử nghệ thuật với tầm nhìn và kỹ thuật hiện đại”. Thế giới nghệ thuật biết ơn Quỹ Pollock-Krasner vì luôn ủng hộ các nghệ sĩ tài năng như Kate O'Donovan Cook.

(Art Daily)

 

Trinity the Ocean, 2007. Archival pigment print. ©Kate O'Donovan Cook.

 

Waldorf 2, 2007, Digital C print. (Bộ ảnh The Waldorf). ©Kate O'Donovan Cook.

 

Red Dress, 2010 , Digital C print. ©Kate O'Donovan Cook.

 

The Model, 2008, Digital C print. ©Kate O'Donovan Cook.

 

 

Tại MEXICO CITY, Mexico, từ 5/4 đến 9/7/2015, Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia Mexico (MUNAL), tổ chức triển lãm mang tên “Melancholy”, với 137 tác phẩm nghệ thuật hội hoạ và điêu khắc của 80 nghệ sĩ Mexico. Theo giám sĩ Villavicencio, “Triển lãm này phơi bày những cảm xúc u sầu nhưng sáng tạo, sự siêu nghiệm, cứu độ và tự ngã, trong các tác phẩm của các nghệ sĩ quan trọng từ thế kỷ 17, 18 cho tới thời hiện tại của Mexico, thông qua các chủ đề như tội lỗi, tang lễ, mất mát tình yêu, cái chết, tâm linh, sáng tạo và ma thuật.” Các tác phẩm trong triển lãm đến từ rất nhiều bộ sưu tập: của Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia Mexico cộng với sự tham gia của 44 bộ sưu tập cá nhân và các tổ chức khác của Mexico.

(Art Daily)

 

Diego Rivera, “Despues de la tormenta”, 1910. © 2017 Banco de México. 

 

 Baltazar de Echave Ibía, “San Pablo y San Antonio ermitaños”, khoảng thế kỷ 17. ©Museo Nacional de Arte.

 

 Arturo Rivera, “Bodas del cielo y el infierno”, 1996. ©MUNAL.

 

 

Tại DUSSELDORF, Đức, từ ngày 8/4 đến 18/6/2017, Bảo tàng Nghệ thuật Düsseldorf tiến hành kỷ niệm 50 năm ngày tái thiết bảo tàng với cuộc triển lãm quy mô mang tên “Wirtschaftswerte / Museumswerte”, bao gồm những gương mặt kiệt xuất của thời đại và các nhân vật ‘khổng lồ’ có mặt trong bộ sưu tập của bảo tàng: Gio­van­ni Ansel­mo, Art & Lan­guage, Bernd & Hilla Bech­er, Joseph Beuys, Mar­cel Broodthaers, Daniel Bu­ren, Chris­to, Tony Cragg, Jim Dine, Lu­cio Fontana, Gilbert & George, Yves Klein, Richard Long, Nam June Paik, Ger­hard Richter, Andy Warhol và nhiều người khác. Kể từ khi thành lập vào năm 1881, Bảo tàng Nghệ thuật Düsseldorf luôn dành sự quan tâm đặc biệt tới nghệ thuạt đương đại, bên cạnh các danh hoạ như Cézanne, van Gogh, Monet, Renoir, Rodin, Kirchner, Kandinsky và Matisse; nhiều triển lãm huyền thoại cũng đã diễn ra tại bảo tàng này. Năm 1967, bảo tàng đã được thiết kế lại. Với hơn 500 triển lãm và khoảng 2500 nghệ sĩ đã từng trưng bày tại đây, bảo tàng chứng tỏ tầm ảnh hưởng đáng kể trong đời sống nghệ thuật Đức và quốc tế với vai trò là một trong những địa điểm triển lãm nghệ thuật đương đại quan trọng nhất.

(Mutual Art)

 

 

 

 

Một số tác phẩm tại triển lãm “Wirtschaftswerte / Museumswerte”. ©Kunsthalle Düsseldorf.

 

 

Tại LOS ANGELES, Mỹ, từ 2/4 đến 24/7/2017, Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại tại Los Angeles (MOCA) tổ chức triển lãm hồi cố của Carl Andre mang tên “Carl Andre: Sculpture as Place, 1958–2010”. Triển lãm tổng kết 5 thập kỷ làm việc của Carl Andre, một trong những nhân vật quan trọng nhất của điêu khắc đương đại thế giới. Đây là cuộc tập hợp các tác phẩm chọn lọc hiếm khi trưng bày và mang tính khảo sát bảo tàng đầu tiên toàn bộ tác phẩm của Carl Andre ở Bắc Mỹ, kể từ thập niên 1970-1980. Triển lãm thể hiện tất cả những thay đổi lịch sử và thẩm mỹ quan trọng trong sự nghiệp của Andre, từ những bài tập đầu tiên đến những tác phẩm mới nhất của ông. Các giai đoạn chính của Andre được đại diện bởi rất nhiều tác phẩm điêu khắc quan trọng, bao gồm các tác phẩm điêu khắc modul và các vật liệu công nghiệp như gạch, kim loại, phiến và khối gỗ. Triển lãm tổ chức dưới sự giám tuyển của đồng Giám đốc MOCA, ngài Philippe Vergne và Yasmil Raymond, Phó giám tuyển của Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York, phối hợp chặt chẽ với chính Carl Andre.

(Art Forum)

 

 

 

 

Quang cảnh một số gian triển lãm “Carl Andre: Sculpture as Place, 1958–2010”. ©MOCA.

 

 

Tại BRUXELLES, Bỉ, từ 21 đến 23/4/2017, phiên bản thứ 35 của Art Brussels sẽ diễn ra với 145 gallery đến từ 28 quốc gia – trong số đó, 34 gallery (chiếm ¼ số gallery tại hội chợ) là lần đầu tiên tham gia hội chợ này. Mặc dù vẫn giữ được nét trẻ trung như là một hội chợ mang tính khám phá, Art Brussels là một trong những hội chợ lâu đời nhất và thành công nhất ở châu Âu. Kể từ khi thành lập, năm 1968, Art Brussels đã phát triển thành một hội chợ nghệ thuật đương đại quốc tế và được xem và là một trong những hội chợ thương mại hàng đầu Châu Âu.

(Artnet)

 

 

 

 

Một số tác phẩm và gian triển lãm tại Art Brussels 2017. ©Art Brussels.

 

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)