Tại TORONTO, Canada, từ 19/10/2017 đến 21/1/2018, Bảo tàng Gardiner tổ chức triển lãm hồi cố của nghệ sĩ người Canada nổi tiếng thế giới Steven Heinemann mang tên “Steven Heinemann: Văn hoá và Thiên nhiên”, bao gồm hơn 70 đồ vật trải dài suốt sự nghiệp của Heinemann kể từ năm 1979 cho đến nay. Quá trình sáng tác của Heinmann có thể kéo dài hàng tháng, thậm chí là nhiều năm. Trong 35 năm qua, Steven Heinemann đã làm thay đổi nghệ thuật gốm sứ ở Canada. Sự vĩnh cửu và tĩnh lặng trong các tác phẩm điêu khắc của ông dường như chống lại lối sống gấp của chúng ta và thuyết phục chúng ta hãy sống chậm  lại, trải nghiệm, cảm nhận, và nhất là tự vấn về vai trò của con người trong văn hoá và thiên nhiên. Tác phẩm của ông có trong nhiều bộ sưu tập công, bao gồm Bảo tàng Victoria và Albert, Bảo tàng mỹ thuật Boston, Bảo tàng gốm sứ thế giới Icheon, Hàn Quốc, Bảo tàng Lịch sử Quốc gia Đài Loan, Bảo tàng Nghệ thuật và Thiết kế New York, Bảo tàng Boymans van Beuningen (Rotterdam) và Bảo tàng Đương đại (Honolulu).

(Art Forum)

 

 

 

 

 

Steven Heinemann và một số tác phẩm trong triển lãm. ©Steven Heinemann/Gardiner Museum.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ 18/10/2017 đến 8/1/2018, Trung tâm Pompidou (Pháp) và Bảo tàng nghệ thuật đương đại Castello di Rivoli (Ý) hợp tác tổ chức cuộc triển lãm hồi cố đầu tiên của nghệ sỹ Ấn Độ Nalini Malani ở Pháp (và sau đó, tại Ý). Triển lãm gồm 2 phần chọn lọc, bao trùm 50 năm sáng tạo của người hoạ sĩ nổi tiếng. Trong phần một - triển lãm ở Trung tâm Pompidou - nghệ sĩ trưng bày các tác phẩm sáng tác trong giai đoạn 1969 - 2018, bao gồm cả loạt tranh mới nhất của bà. Các tác phẩm của Nalini Malani đề cập nhiều khái niệm khác nhau: utopia, dystopia, tầm nhìn tương lai Ấn Độ, vai trò của phụ nữ trong thế giới đầy bạo lực, gợi nhắc nhở về sự bấp bênh của cuộc sống và sự tồn tại của con người. Trong sáng tác, Malani hợp tác với nhiều trí thức tên tuổi – một bằng chứng về việc tìm kiếm các hình thức liên ngành để điều tra và truyền đạt tốt nhất những vấn đề cá nhân và chính trị. Phần thứ hai của triển lãm sẽ được tiến hành tại bảo tàng đương đại Castello di Rivoli, (Ý) từ 27/3 đến 22/7/2018.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm tại Paris. ©Nalini Malani / Pompidou Center.

 

 

Tại NEW YORK, Hoa Kỳ, từ 18/10 đến 2/12/2017, gallery nghệ thuật đương đại nổi tiếng Littlejohn Contemporary mở triển lãm các tác phẩm của nghệ sĩ nổi tiếng Kate Breakey mang tên “Copses and trees and tumbleweeds”. Các hình ảnh trong triển lãm này, bao gồm cây cối, núi non và cảnh quan - được lựa chọn từ những chuyến đi dài ngày của nghệ sĩ đến các vùng miền khác nhau trên thế giới - là những bức ảnh kỹ thuật số được in rồi xử lý thủ công bằng màu, bút chì, pastel. Là người có trí óc tò mò của một nhà khoa học về thế giới tự nhiên kết hợp với niềm đam mê của một nghệ sĩ trước vẻ đẹp của thiên nhiên, các bức ảnh hoành tráng của bà như những ẩn dụ về cá nhân lẫn ấn tượng cuộc sống. Suốt đời , nữ nghệ sĩ luôn quan sát và chụp ảnh thế giới tự nhiên mà theo cách nói của bà, " luôn tràn ngập những điều kỳ diệu, bí ẩn, đẹp đẽ". Từ năm 1980 đến nay, tác phẩm của bà đã xuất hiện trong hơn 95 triển lãm cá nhân và hơn 50 triển lãm nhóm tại Mỹ, Pháp, Nhật, Úc, Trung Quốc và New Zealand.

(Artnews)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Kate Breakey.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ 17/10/2017 đến 21/1/2018, bảo tàng Jeu de Paume tổ chức triển lãm cá nhân mang tên "Souterrainan" của nghệ sĩ Ali Kazma, tập hợp những tác phẩm chọn lọc trong 10 năm qua, đặc biệt là hai tác phẩm được thực hiện riêng cho triển lãm này. Ali Kazma đã thực hiện hơn 60 video kể từ khi ông bắt đầu làm việc với chất liệu này. Đa số các tác phẩm đề cập đến những nỗ lực của con người trong việc kiểm soát, duy trì và chữa lành cơ thể, cưỡng lại quá trình hủy diệt không thể tránh khỏi – cái chết. Ali Kazma thích chọn các đối tượng phản ánh lịch sử, xã hội, thẩm mỹ và chính trị. Ngắn gọn và súc tích, giàu nhịp điệu và chi tiết ấn tượng, các video-art của ông luôn cuốn hút người xem, trong đó có nhiều thông điệp liên quan đến các chủ đề cụ thể, ví dụ như khám nghiệm y học, khám phá khảo cổ học hoặc các cơ sở quân sự được cải biến thành bảo tàng, v.v… được xem là các tài liệu tham khảo đề cập đến bối cảnh lịch sử, nhấn mạnh sự cần thiết thay đổi trong xã hội. Một số tác phẩm tạo nên các hình ảnh gần như trừu tượng có tính ẩn dụ cao.

(Artnet)

 

 

 

 

Một số hình ảnh trích trong các video tại triển lãm. ©Ali Kazma/Jeu de Paume.

 

 

Tại MADRID, Tây Ban Nha, từ 17/8/2017 đến 21/8/2018 bảo tàng nghệ thuật quốc gia Museo Nacional Thyssen-Bornemisza giới thiệu cuộc triển lãm quy mô mang tên “Picasso / Lautrec” - triển lãm đầu tiên trưng bày đối sánh tác phẩm của hai bậc thầy vĩ đại của mỹ thuật hiện đại. Mặc dù mối liên hệ về nghệ thuật của họ đã được các nhà văn và nhà phê bình đương đại nhắc tới từ lâu, đây là lần đầu tiên tác phẩm của họ được bày cạnh nhau trong cùng một triển lãm. Triển lãm cũng khảo sát mối quan hệ hấp dẫn này từ những quan điểm mới, không chỉ đơn thuần khám phá những nét trẻ trung của Picasso như một người ngưỡng mộ Lautrec ở Barcelona và những năm đầu ông sống ở Paris, mà còn cho thấy ảnh hưởng kéo dài của Lautrec trong suốt sự nghiệp Picasso, kể cả giai đoạn cuối đời. Hơn 100 tác phẩm được gom về từ hơn 60 bộ sưu tập công cộng và tư nhân từ khắp nơi trên thế giới, nhóm lại quanh các chủ đề: chân dung hoạ sĩ; cuộc sống về đêm ở quán cà phê, rạp hát; thực tế khắc nghiệt của những người sống bên lề xã hội; khung cảnh rạp xiếc.

(The Art Newspaper)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

 

 

Tại CHICAGO, Hoa Kỳ, Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại Chicago tổ chức kỷ niệm 50 năm thành lập vào tháng 10/2017 với một loạt các triển lãm, chương trình và sự kiện thú vị, trong số đó, triển lãm trọng tâm là “We Are Here” - một cuộc triển lãm ba phần lớn được lấy từ bộ sưu tập các tác phẩm hiện đại của MCA - thể hiện sức mạnh của nghệ thuật và văn hoá đương đại đã thay đổi cách nhìn nhận thế giới như thế nào. Triển lãm tập trung vào cách các nghệ sĩ đương đại phê phán thế giới xung quanh họ và phản hồi một cách sáng tạo và thường xuyên cách người xem đã trở thành một phần quan trọng trong trải nghiệm nghệ thuật. Các cuộc triển lãm bao gồm tác phẩm tranh, điêu khắc, lắp đặt, âm thanh, phim và video ... của rất nhiều các nghệ sĩ Hoa Kỳ và thế giới tên tuổi, phản ánh câu chuyện đang thay đổi của nghệ thuật đương đại thế giới. Ngoài ra, nhân dịp này MCA cũng giới thiệu 50 bức ảnh của 16 nhiếp ảnh gia hàng đầu Hoa Kỳ mới được bộ sưu tập của Jack và Sandra Guthman gửi tặng.

(Art Daily)

 

 

Franz West, “Xanh lam”, 2006. ©MCA Chicago.

 

Laszlo Moholy-Nagy, “Vô đề”, 1946. ©MCA Chicago.

 

Kori Newkirk, “Che lấp”, 2006. ©MCA Chicago.

 

Marisol (Marisol Escobar), “Sáu phụ nữ”, 1965–66.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ ngày 18/10/2017 đến 07/1/2018, Bảo tàng Palais de Tokyo dành toàn bộ không gian triển lãm cho nghệ sĩ Camille Henrot (sinh năm Paris 1978, sống ở New York) trưng bày cuộc triển lãm thứ ba trong loạt triển lãm “cartes blanches”. Đây là dịp công chúng khám phá những sáng tạo mới về điêu khắc, hình vẽ, video và sắp đặt của nữ nghệ sĩ tên tuổi. Với tiêu đề "Days are Dogs", gợi lên cái nóng bức của những ngày hè, triển lãm được chia làm 7 phần, mỗi phần dành riêng cho một ngày trong tuần. Người xem sẽ được trải nghiệm cùng những tác phẩm phản ánh cảm xúc cá nhân nghệ sĩ và các hoạt động gắn liền với mỗi ngày. Sử dụng cấu trúc này để tổ chức triển lãm của mình, Henrot nhấn mạnh đến tác động của sự lệ thuộc, nỗi thất vọng, và những khao khát nảy sinh trong nhịp sống đời thường hàng tuần. Chuỗi triển lãm của Camille Henrot tập hợp các tác phẩm cá nhân phối hợp với sự đóng góp của các nghệ sĩ quốc tế David Horvitz, Maria Loboda, Nancy Lupo, Samara Scott, Avery Singer và thi sĩ Jacob Bromberg, Kể từ lần trưng bày cá nhân đầu tiên được quốc tế công nhận năm 2007, Palais de Tokyo đã liên tục trưng bày tác phẩm nghệ thuật của bà.

 (Artnet)

 

 

 

 

Một số không gian trưng bày và tác phẩm trong triển lãm. ©Camille Henrot /Palais de Tokyo.

 

 

Tại LONG ISLAND, New York, Hoa Kỳ, từ 22/10/2017 đến 11/3/2018, Bảo tàng MoMA PS1 mở triển lãm chuyên khảo đầu tiên của Cathy Wilkes - một triển lãm lớn nhất của bà cho đến nay, với khoảng 50 tác phẩm sáng tác từ năm 2004 đến nay, được tuyển chọn từ các bộ sưu tập của cả nhà nước và tư nhân trên khắp Châu Âu và Bắc Mỹ cũng như các tác phẩm mới, đưa ra một cái nhìn rộng về tác phẩm của Wilkes. Triển lãm cũng trưng bày tác phẩm mà nhờ nó Wilkes nhận được giải Maria Lassnig đầu tiên do Quỹ Maria Lassnig trao tặng năm 2016. Cathy Wilkes sinh năm 1966 tại Belfast, Bắc Ireland, sống và làm việc tại Glasgow, Scotland. Bà đã có nhiều triển lãm cá nhân tại một số bảo tàng quốc tế như Tate Liverpool, Anh, 2015, Bảo tàng Lentos Kunst Linz, Áo và Bảo tàng Abteiberg, Mönchengladbach, Đức (2015-2016), Bảo tàng Nghệ thuật Carnegie, Pittsburgh (2011); Kunstverein Munich (2011); Bảo tàng Nghệ thuật Aspen (2011); Bảo tàng Milton Keynes, Anh (2008); Bảo tàng Douglas Hyde, Dublin (2004); và Bảo tàng Migros, Zurich (2002).

(Blouin Artinfo)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Cathy Wilkes/MoMA PS1.   

 

 

Tại NEW YORK, Hoa Kỳ, từ ngày 22/10 đến 10/12/2017, gallery chuyên về nghệ thuật đương đại Marc Straus tổ chức triển lãm cá nhân của nữ điêu khắc gia Jeanne Silverthorne. Trong hơn ba thập kỷ qua, Silverthorne đã chọn studio làm chủ đề của mình. Với bà, nơi làm việc và đồ nội thất - kể cả bản thân nghệ sĩ - trở thành những ẩn dụ về tồn tại, thời gian và sự phân rã. Silverthorne thích làm điêu khắc bằng chất liệu cao su công nghiệp, tạo ra những cảm giác về quá trình thoái hoá độc đáo. Các tác phẩm điêu khắc về vật dụng hàng ngày của bà bắt chước thực tế, nhưng màu sắc và/ hoặc kích thước thay đổi đem đến  ý nghĩa mới và sự bất ngờ: các dây dẫn và ống dẫn có thể gợi nhớ  động mạch hoặc tĩnh mạch, bóng đèn biểu tượng cho sự sáng tạo, còn những chiếc ghế bị mòn gợi lên sự hiện diện của con người. Tuy nhiên những bóng đèn của bà không sáng và ghế thì không ngồi được – chúng là biểu hiện của sự rối loạn chức năng. Jeanne Silverthorne (sinh năm 1950, Philadelphia, Hoa Kỳ) Tác phẩm của bà có trong nhiều bộ sưu tập bảo tàng lớn, bao gồm MoMA, NY; MFA Houston, SFMOMA, CA và Bảo tàng Whitney, NY.

(Art Forum)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Jeanne Silverthorne/Marc Straus Gallery. 

 

 

Tại LONDON, Anh, từ 18/10/2017 đến 28/1/2018, nhân kỷ niệm 100 năm Cách mạng Nga 1917, bảo tàng Tate Modern tổ chức triển lãm lớn đầu tiên ở Vương quốc Anh cho hai vợ chồng nghệ sỹ Ilya và Emilia Kabakov (sinh năm 1933 và 1945). Phối hợp với Bảo tàng Quốc gia Hermitage, St Petersburg và Bảo tàng Quốc gia Tretyakov, Moscow, triển lãm này khám phá sáng tạo của cặp vợ chồng nghệ sĩ tiên phong trong nghệ thuật ý niệm, cung cấp cơ hội cho công chúng Anh quốc được thưởng thức các tác phẩm hiếm thấy của họ. Ilya và Emilia Kabakov thuộc hàng những nghệ sĩ Nga nổi tiếng nhất của thế hệ mình, nổi tiếng với các tác phẩm lắp đặt quy mô lớn dựa trên văn hoá thị giác của Liên bang Xô viết cũ và các truyền thuyết văn học Nga, thường đề cập đến các chủ đề phổ quát như utopia và hoàn cảnh con người. Triển lãm trưng bày hơn 100 tác phẩm gồm tranh, bản vẽ, album, các mô hình và sắp đặt, khám phá những ý tưởng về ký ức tập thể và di sản văn hoá. Triển lãm gồm 3 khu trưng bày chính, cũng là 3 tác phẩm sắp đặt choán toàn bộ các gian triển lãm, bao gồm: Người đàn ông bay vào không gian từ căn hộ của mình (1985); Labyrinth - Album của Mẹ tôi (1990); Không phải ai cũng sẽ được gửi tới tương lai (2001).

(Art Daily)

 

 

 

 

 

Một số không gian trưng bày và tác phẩm sắp đặt trong triển lãm. ©Ilya & Emilia Kabakov. 

 

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)