Điểm tin mỹ thuật nhiếp ảnh thế giới – từ 1 đến 7/1/2018

Nguồn:

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch) 18/01/2018


Tại SINGAPORE, từ 16/11/2017 đến 11/3/2018, National Gallery Singapore trưng bày cuộc triển lãm mang tên Between Worlds (Giữa các thế giới), khám phá cuộc đời phi thường của hai nghệ sĩ bậc thầy gốc Đông Nam Á thế kỷ 19: họa sĩ người Indonesia Raden Saleh (1811-1880) và họa sĩ người Philipin Juan Luna (1857-1899). Từ những bộ sưu tập quan trọng trên khắp thế giới, triển lãm mang tính bước ngoặt này lần đầu tiên tập hợp hơn 80 tác phẩm của họ. Mặc dù đến từ các quốc gia khác nhau và hoạt động vào những thời điểm khác nhau của thế kỷ 19, cả hai ông cùng chia sẻ một hành trình tương tự như các nghệ sĩ Đông Nam Á khác, những người đã có cơ hội trau dồi nghề nghiệp ở ‘trời Tây’. Raden Saleh (1811-1880) nổi tiếng với biệt hiệu “hoạ sĩ cung đình” dưới triều đại của quốc vương Willem III của Hà Lan. Còn Juan Luna (1857 - 1899) học hội hoạ ở Madrid và Rome, rất nổi tiếng ở Tây Ban Nha và Pháp.

(Art Daily)

 

 

 

 

 Một số tác phẩm tại triển lãm. ©National Gallery Singapore.

 

 

Tại BẮC KINH, Trung Quốc, từ 14/12/2017 đến 03/3/2018, không gian nghệ thuật Pace Beijing trưng bày triển lãm cá nhân của nữ nghệ sĩ Trung Quốc nổi tiếng quốc tế Yin Xiuzhen “Back to the End” (Trở lại điểm kết). Triển lãm này đánh dấu sự trở lại của Yin tới Bắc Kinh sau bốn năm vắng bóng với các tác phẩm mới nhất của nghệ sĩ. Ngay thừ thập niên 1990, Yin đã có nhiều cuộc triển lãm và sự kiện mang tính bước ngoặt và là một trong 4 đại diện của Trung Quốc tại Venice Biennale năm 2007. Với hàng loạt tác phẩm điêu khắc làm từ vật liệu hàng ngày thể hiện nhận thức cá nhân và thân phận bị bỏ rơi, nữ nghệ sũ đã “ghi được tiểu sử cá nhân vào câu chuyện vĩ đại chung của lịch sử”. Sinh tại năm 1963, Yin Xiuzhen là một trong những nghệ sỹ nữ đương đại quan trọng nhất của Trung Quốc hiện nay. Các tác phẩm của bà có mặt trong bộ sưu tập của nhiều bảo tàng lớn như: Bảo tàng Groninger, Hà Lan; Bảo tàng Kunstpalast, Đức; ARoS Aarhus Kunstmuseum, Đan Mạch, Bảo tàng nghệ thuật Mori, Nhật Bản; Bảo tàng Nghệ thuật M +, Hồng Kông.

(The Art Newspaper)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm tại triển lãm. ©Yin Xiuzhen / Pace, Beijing.

 


Tại NEW YORK, Mỹ, từ 6 đến 27/1/2018, phòng trưng bày Bernarducci tổ chức triển lãm mang tên “One Day at Rest” (Một ngày yên bình) - triển lãm cá nhân đầu tiên của Neil MacCormack với gallery. Triển lãm trưng bày hàng loạt những bức tranh và họa tiết quy mô nhỏ dựa trên những ảnh tĩnh trích từ một chiếc camera “giám sát” gắn trong nhà của nghệ sỹ, ghi lại hơn 7.200 bức ảnh trong một ngày. Các bức ảnh ghi lại sinh hoạt của MacCormack và vợ trong các hoạt động đời thường vào ngày 2/7/2011: ngủ, tắm vòi sen, ăn tối, quan hệ, làm việc và đi lang thang. Các tác phẩm của nghệ sĩ đả phá khái niệm “giám sát” truyền thống, ‘chụp bắt’ vẻ đẹp của một ngày bình thường trong cuộc sống hàng ngày với những thăng hoa bất ngờ, có tính thân mật và ‘xâm lấn’. Neil MacCormack (sinh năm 1958) sống và làm việc tại Toronto. Ông từng có các triển lãm cá nhân ở New York, British Columbia, Ontario, Oklahoma, Tennesse và Quebec.

(Artnews)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm tại triển lãm. ©Neil MacCormack.

 


Tại LOS ANGELES, Mỹ, từ 6 đến 28/1/2018, phòng tranh Durden and Ray có cuộc triển lãm mang tên “Disappear Here” (Biến khỏi đây) với sự tham gia của 7 nghệ sĩ sử dụng ảnh như một chất liệu sáng tác và cùng khám phá các chủ đề về sự tìm kiếm và biến mất. Trong khi một số tac giả điều tra những sự kiện quen thuộc diễn ra trong những thành phố bộn bề bủa vây chúng ta, một thế giới mà con người sống trong đó dù co quan hệ với nhau mà vẫn bị chia cặt, cô đơn. Những tác giả khác khám phá sự gần gũi của con người với sự vật xung quanh, với các đối tượng và kiến ​​trúc đời thường. Các khám phá của họ cho phép chúng ta quan sát cuộc sống của mọi người nhân văn hơn, và cũng để xây dựng lại đời sống riêng của chính mình. Durden and Ray là một gallery do 24 nghệ sĩ / curator cùng thành lập và điều hành nhằm tạo ra các cơ hội triển lãm chung tại đây cũng như phối hợp với các nghệ sĩ quốc tế trên toàn thế giới.

(Artnews)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm và không gian triển lãm. ©Durden and Ray.

 

 

Tại SYDNEY, Úc, từ 6/1 đến 8/4/2018, trong khuôn khổ Liên hoan nghệ thuật Sydney Festival 2018  - Trung tâm nghệ thuật đương đại Carriageworks tổ chức trưng bày một tác phẩm sắp đặt biệt vị lớn của nghệ sĩ người Đức nổi tiếng Katharina Grosse – tác phẩm thứ 3 trong loạt sự kiện quốc tế The Schwartz Carriageworks”. Đây là một cơ hội để các khán giả Úc trải nghiệm tầm nhìn phi thường của Katharina và vẻ đẹp biến đổi thông qua dự án nghệ thuật sắp đặt quy mô chưa từng có tại Carriageworks. Grosse nổi tiếng với các tác phẩm đa sắc và quy mô sử thi, biến đổi không gian vượt ngoài ranh giới truyền thống hội hoạ, thu hút du khách xâm nhaaph vào tác phẩm - vừa là quan sát viên vừa là những người tham gia vào đời sống của chính nó. Katharina Grosse sinh năm 1961 tại Đức, hiện sống và làm việc tại Berlin. Bà được công nhận là một trong những nghệ sỹ thị giác có tầm ảnh hưởng nhất và sáng tạo nhất trong thời đại chúng ta.  

(Art Daily)

 

 

 

Tác phẩm “The Horse Trotted Another Couple of Metres, Then it Stopped” (Con ngựa chạy thêm vài mét nữa, rồi dừng lại) (2017) của Katharina Grosse tại  Carriageworks. ©Katharina Grosse / VG Bild-Kunst.

 

 

Tại SAN FRANCISCO, Mỹ, từ 4/1 đến 22/2/2018, CA. phòng tranh Nancy Toomey Fine Art công bố một triển lãm với tác phẩm của nghệ sĩ người Mỹ gốc Nhật Miya Ando có tựa đề “Oborozuki (Moon Obscured by Clouds)” (Oborozuki (Mặt trăng bị những đám mây che khuất). Cảm hứng của Miya Ando xuất phát từ một tiếng Nhật Bản: “Oborozuki”, nghĩa là “trăng bị mây che”, hay cụ thể hơn là bắt nguồn từ cuốn tiểu thuyết rất nổi tiếng tại Nhật Bản,  “Câu chuyện của Genji” của nhà văn Murasaki Shikibu. Các tác phẩm trong triển lãm đậm chất thiền quán, phản ánh nguồn gốc văn hóa của chính nữ nghệ sĩ và đời sống hành thiền của cô; chúng là cuộc điều tra liên tục về thời gian và khoảnh khắc thông qua loạt tranh  trên nhôm có tựa đề Yoake (Rạng đông) hay trên kính có tên Kumo (Mây), cũng như một số tác phẩm trên giấy có tên Gekkou (Ánh trăng). Thiên nhiên được Miya Ando miêu tả không phải là một lực lượng, mà là cỗ xe chuyển tải cảm hứng, để chiêm ngắm và mơ màng. Những tác phẩm của Ando

(Artnet)

 

Miya Ando, “Gekkou (Moonlight) November 6”, 2017.

 

Miya Ando, “Kumo (Mây) 60.30.3”, 2017. (Mặt trước và mặt sau).

 

 

Miya Ando, “Kumo (Mây) 4.8.6”, 2017.

 

Miya Ando, “November Kumo (Cloud) 3”, 2017.

 

 

Tại SINGAPORE, từ 9/12/2017 đến 4/3/2018, Trung tâm Nghệ thuật Đương đại của Đại học Công nghệ Quốc gia (NTU) Singapore giới thiệu triển lãm “The Oceanic” (Đại dương) - một triển lãm phơi bày sự can thiệp của con người trên  quy mô lớn vào các hệ sinh thái biển, với 12 nghệ sĩ, nhà làm phim, nhà soạn nhạc và các nhà nghiên cứu – những người quan tâm đến lịch sử văn hoá lâu đời của các quần đảo Thái Bình Dương và hoàn cảnh hiện tại của chúng. Là một phần của dự án nghệ thuật đương đại kết hợp với nghiên cứu khoa học “Thyssen-Bornemisza Art Contemporary – Academy’s (Học viện TBA21 - Academy) The Current” - một sáng kiến ​​nghiên cứu liên tục về môi trường, kinh tế và chính trị-xã hội. Những nghệ sĩ đóng góp nổi bật trong triển lãm này cũng là những người từng tham gia cuộc thám hiểm trên con tàu Dara của TBA21-Academy đến thăm Papua New Guinea (2015), thăm Polynesia thuộc Pháp (2016) và khám phá Fiji (2017).

(Art Forum)

 

Armin Linke, “Các đại dương. Những đối thoại giữa đáy sâu và mặt nước”, 2017. Video. ©NTU.

 

 

Newell Harry, “Con thuyền Kula. Oyabia, Kiriwina Lagoon”, 2015. Ảnh. ©NTU.

 

Một góc triển lãm. ©NTU.

 

 

Tại KARLSRUHE, Đức, từ 18/11/2017 đến 08/4/2018, bảo tàng mỹ thuật ZKM tổ chức một triển lãm quy mô mang tên “WOMAN. FEMINIST AVANT-GARDE of the 1970s” (Phụ nữ. Các nghệ sĩ nữ quyền tiên phong trong những năm 1970) với hơn 400 tác phẩm nghệ thuật đến từ bộ sưu tập Sammlung Verbund, Vienna, Áo, làm nổi bật vai trò tiên phong của các nghệ sĩ nữ trong thế kỷ 20. Vào những năm 1970, các nghệ sĩ nữ tại châu Âu và nhiều nước khác trên thế giới bắt đầu sử dụng cơ thể của họ như là một tấm gương phản chiếu và phê phán mọi mặt của xã hội. Với các chất liệu mới như nhiếp ảnh, điện ảnh và video, trong các buổi trình diễn và sự kiện, các nữ nghệ sỹ đã đề cập tới các hoàn cảnh văn hoá và xã hội cùng những cơ chế áp bức phụ nữ. Lần đầu tiên trong lịch sử nghệ thuật, các nghệ sỹ nữ đã “đại diện cho chính phụ nữ” trong nghệ thuật thị giác. Các chủ đề chính của triển lãm: giới tính, cơ thể, bạo hành, vai trò của nữa giới, tiêu chí của vẻ đẹp …

(Artnet)

 

 

Annegret Soltau, “Selbst” (1975), Ảnh đen trắng. ©Annegret Soltau/Sammlung Verbund.

 

 

Renate Bertlmann, “Tender Pantomime” (1976). Ảnh đen trắng. ©Renate Bertlmann.

 

Ana Mendieta, “Vô đề (Áp mặt trên kính)” (1972/1997). C-print. ©The Estate Ana Mendieta.

 

 

Tại BẮC KINH, Trung Quốc, từ 7/1 đến 3/2/2018, tác phẩm mới trong loạt tác phẩm hiện thực ảo của họa sĩ Trung Quốc Yu Hong, được trưng bày tại Faurschou Foundation Bắc Kinh. Trong tác phẩm này, “She’s already Gone” (Cô ấy đã ra đi), người xem được mời theo dõi cuộc đời của một nhân vật nữ từ khi sinh ra đến lúc tuổi già. Trong khi cuộc sống của nhân vật đi về phái trước theo thời gian, người xem nhận thấy bản thân lịch sử đang chạy ngược về điểm xuất phát. Yu Hong đã tự tay vẽ tay mọi chi tiết trong mỗi cảnh, đưa ngôn ngữ nghệ thuật của cô ấy vào thế giới Hiện thực Ảo. Yu Hong sinh năm 1966 ở Tây An, Trung Quốc, tốt nghiệp Học viện Mỹ thuật Trung ương Bắc Kinh năm 1980, và hiện nay là giáo sư khoa sơn dầu tại đây. Yu Hong đã tham gia nhiều triển lãm tại các bảo tàng danh tiếng như Bảo tàng Solomon R. Guggenheim (New York, Mỹ), Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia Trung Quốc (Bắc Kinh, Trung Quốc), Học viện Nghệ Thuật New York (New York, Mỹ), và Bảo tàng Mỹ thuật Boston (Boston, Hoa Kỳ).

(Art Daily)

 

Khán giả theo dõi tác phẩm hiện thực ảo của Yu Hong tại triển lãm. ©Faurschou Foundation. 

 

 

Một cảnh trong tác phẩm “She’s Already Gone”, 2017. ©Yu Hong.

 

 

Tại SEOUL, Hàn Quốc, từ 14/9/2017 đến 4/3/2018, bảo tàng Daelim Museum tổ chức cuộc triển lãm lớn mang tên “Plastic Fantastic” (Kỳ diệu Plastic) , một triển lãm độc đáo trưng bày các thiết kế đầy chất nghệ thuật của các nhà thiết kế quốc tế và khảo sát các khả năng dường như vô hạn của nhựa. Triển lãm này  minh họa cuộc hành trình đầy ma thuật của chất liệu plastic trong suốt thế kỷ 20, khi nó bước vào đời sống và mang lại sự chuyển đổi rộng khắp cho xã hội ở khắp mọi nơi trên thế giới. Triển lãm trưng bày hơn 2.700 sản phẩm, đồ nội thất, đèn chiếu sáng, các thiết kế đồ hoạ và những hình ảnh của 40 nhà sáng tạo quốc tế và các nghệ sĩ tạo mẫu hàng đầu quốc tế trong suốt nửa thế kỷ qua. Một trong những điểm nổi bật của triển lãm Fantastic Plastic là sự hợp tác trong suốt ba thế hệ của những hãng design quốc tế hàng đầu, trong đó có Kartell - thương hiệu thiết kế hàng đầu của Ý, nhờ thế đã thúc đẩy ngành kỹ nghệ nhựa phát triển mạnh mẽ.

(E-Flux)

 

 

 

 

 

 Molding New Living, 2017, Courtesy of D Museum.

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)

Bài viết liên quan / related articles
ý kiến - thảo luận / comments:
Mời bạn thảo luận / comments:

Họ tên:

Email:

Capcha

captcha

(Đề nghị gõ chữ tiếng Việt có dấu và không viết tắt)