Điểm tin mỹ thuật nhiếp ảnh thế giới - từ 10 đến 16/12/2018

Tại LA JOLLA, Mỹ, từ 7/12/2018 đến 25/1//2019, Joseph Bellows Gallery mở triển lãm cá nhân mang tên “Midwest Horizons” (Những chân trời miền Midwest), giới thiệu những bức ảnh phong cảnh đen trắng mẫu mực của nhiếp ảnh gia lừng danh Rhondal McKinney, đưa người xem vào những khung cảnh mênh mông và yên tĩnh của vùng nông thôn Illinois, gợi nhắc những giá trị của sự tĩnh lặng, thời gian và ký ức. McKinney sử dụng máy ảnh có định dạng lớn để ghi lại những cảnh quan ông yêu thích. Những bức ảnh của ông được tạo ra thông qua quá trình in tiếp xúc (contact printing, một phương pháp in ấn tinh xảo), cho phép tạo ra âm điệu tinh tế và vẻ đẹp chân thực. Ảnh của ông có trong sưu tập của nhiều bảo tàng, như Bảo tàng Mỹ thuật Boston, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại San Francisco, The MET, MOMA, Viện Nghệ thuật Chicago, Bảo tàng Nhiếp ảnh Đương đại, Chicago, và nhiều bảo tàng khác.

(Art Daily)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Rhondal McKinney / Joseph Bellows Gallery.

Tại ROME, Ý, mới đây Bảo tàng nghệ thuật Ponti thông báo họ đã mua được một kiệt tác của Giuseppe Ar (1898 – 1956), một trong những danh hoạ xứ Puglia quan trọng nhất trong nửa đầu thế kỷ 20. Giuseppe Ar bắt đầu cầm bút vẽ từ rất sớm và đã nhanh chóng thể hiện tài năng nghệ thuật. Giản dị, ít nói, với tính cách ôn hòa, ông đã hoà mình trong những bức tranh đầu tiên với tông màu tinh tế và thi vị, một tính cách của một nghệ sĩ tỉnh lẻ đang tìm kiếm chính mình. Sau khi chuyển đến Rome từ năm 1925 đến 1928, ông đã thể hiện tầm vóc nghệ thuật của mình tại xưởng vẽ của Antonio Mancini. Triển lãm cá nhân đầu tiên của ông được đức vua Vittorio Emanuele III ghé thăm. Bức tranh “Lâu đài Lucera” với hình ảnh toà lâu đài cổ ngự trên núi Albano tràn đầy ánh sáng ấm áp buổi ban trưa, được ông hoàn thành năm 1929, thể hiện rất rõ tài năng xử lý ánh sáng bậc thầy của nhà danh hoạ.

(The Transmodern)

Giuseppe Ar, Lâu đài Lucera (1929). ©Ottocento Art Gallery.

Một số tác phẩm khác của Giuseppe Ar. ©Ottocento Art Gallery.

Tại NEW YORK, Mỹ, từ 26/11 đến 22/12/2018, phòng tranh David Richard Gallery mở triển lãm của hoạ sĩ người Mỹ Richard Roth mang tên “Close Call” (Đòi hỏi hạn chế) với các bức tranh khổ lớn mới và các bố cục hai chiều năng động gần đây nhất của tác giả. Cho đến gần đây, Roth đã tập trung vào thể loại ‘tranh hộp’ (Box Paintings) - những bức tranh theo nghĩa đen trên bề mặt những chiếc hộp gỗ bạch dương có chiều cao 12 inch, rộng 8 inch và sâu 4 inch. Đây là định dạng quen thuộc của ông trong nhiều năm. Trong khi kích thước có vẻ hạn chế, kết quả về mặt thị giác lại rất phong phú. Kích thước giới hạn buộc nghệ sĩ phải phát huy khả năng sáng tạo của mình và sử dụng tối đa các bố cục hình học táo bạo và màu sắc bao quanh mọi bề mặt, với sự chú ý đặc biệt đến các góc cạnh mà Roth gọi là ‘hành động sát lề’. Tác phẩm của ông đã được trưng bày tại nhiều bảo tàng danh tiếng.

(Artnet)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Richard Roth / David Richard Gallery.

Tại KANSAS CITY, Mỹ, từ 11/12/2018 đến 22/12/2019, Bảo tàng và Đài tưởng niệm Quốc gia về Thế chiến I, mở triển lãm quy mô 12 tháng nhan đề  “Devastated Lands” (Những vùng đất bị tàn phá) với các bức ảnh và tranh trong bộ sưu tập của bảo tàng – những chứng tích sống động gợi nhắc ký ức về một trái đất bị tàn phá bởi chiến tranh: những vườn cây hay nhà máy bị đốt cháy, những ngôi làng, bức tường, cây cầu sụp đổ, những thành phố thị trấn điêu tàn không người trở thành nơi trú ngụ của hồn ma. Bom mìn chưa nổ từ thời chiến tranh vẫn ẩn nấp trong lòng đất châu Âu. Phải mất thêm 100 năm nữa mới loại bỏ được tàn dư của Thế chiến tranh I cũng như các tàn tích do xung đột toàn cầu diễn ra trong 20 năm sau đó, song ‘di sản chết người’ về tinh thần của cuộc chiến vẫn còn mãi và luôn nhắc nhở loài người hãy cảnh giác.

(Art Daily)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©The National WWI Museum and Memorial. 

Tại MILAN, Ý, từ 25/10 đến 22/12/2018, gallery ZERO mở triển lãm mang tên “Cally Spooner – Dead Time” (Cally Spooner – Thời gian chết) – một không gian sắp đặt lớn của Cally Spooner. Trong triển lãm này, một loạt các yếu tố cùng tồn tại trong trạng thái chờ đợi, và sự chờ đợi này cũng có thể được coi là sự kiện. Một bức tường được chia vùng lộ ra, một cuốn tiểu thuyết tội phạm đang mở, một bản nhạc lạc lõng trong căn phòng và, thông qua các cửa sổ mở, con đường bên ngoài. Tất cả nói chuyện với chúng ta theo những cách khác nhau về quá trình ở hậu trường và sự tình cờ còn vương lại. Chúng cũng là câu trả lời của nghệ sĩ với câu hỏi lớn: “làm thế nào để nói lên được sự khác biệt giữa những gì đang tồn tại sống động và những gì đã qua đi, đã mất trong bầu không khí chính trị, xã hội của thế giới toàn cầu ngày hôm nay?”.

(The Artnewspaper)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Cally Spooner/ZERO. 

Tại NEW YORK, Mỹ, từ 14/12/2018 đến 26/1/2019, Sean Kelly Gallery mở triển lãm “Split Second” (Tách bè phụ) của nghệ sĩ thị giác Mỹ Anthony McCall. Chiếm toàn bộ không gian triển lãm là hai tác phẩm sắp đặt 'ánh sáng đặc' mới của tác giả và một số ảnh đen trắng tuyển chọn, một số lần đầu tiên được trưng bày ở Mỹ. Trong Split Second, McCall mở rộng hơn nữa sự phát triển của loạt tác phẩm ứng dụng công nghệ chiếu áng, tạo ra một cuộc đối thoại giữa hai tác phẩm mới là Split Second và Split Second (Mirror). Các tia sáng quét thành thành những lưỡi dao dẹt và hình nón elip, kết hợp với nhau để tạo ra một trường ánh sáng phức tạp các mặt phẳng xoay, xen kẽ trong không gian. Tác phẩm của McCall có trong nhiều bộ sưu tập, bao gồm Tate, MoMA, Bảo tàng für Moderne Kunst, Đức, Kunsthaus Zurich, Zürich, Thụy Sĩ.

(Art Forum)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Anthony McCall.

Tại VIENNA, Áo, từ 14/12/2018 đến 24/3/2019, Bảo tàng nghệ thuật Vienna mở triển lãm của nhiếp ảnh gia nổi tiếng người Áo Annette Kelm mang tên “Tomato Target” (Đối tượng Cà chua). Các tác phẩm của nữ nghệ sĩ luôn có những chi tiết được nắm bắt gãy gọn, chính xác, mô tả tinh tế đời sống thầm lặng của đồ vật. Dù chụp ảnh tĩnh vật hoặc các kiến ​​trúc cổ điển, chưa bao giờ bà tuân thủ đầy đủ các quy ước chi phối những thể loại ảnh này. Bà thường chụp ở góc nhìn trực diện và rất chi tiết, khiến cho thế giới đối tượng trở nên tối giản và trực quan. Phương pháp tiếp cận mang tính ý niệm của Kelm, sự sắc nét đặc biệt của hình ảnh và ánh sáng trung tính luôn khiến cho các bức ảnh của bà nổi bật bởi phẩm chất thực, loại trừ bất kỳ chủ nghĩa tượng trưng nào, và do đó khiến người xem suy tư về thực tại và tiềm năng thể hiện cái thực tại ấy.

(Art Daily)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Annette Kelm /Kunsthalle Wien.

Tại LONDON, Anh, từ 28/11/2018 đến 19/1/2019, phòng tranh Blain | Southern London mở triển lãm “ Me Somewhere Else” (Tôi lại đâu đó) với các tác phẩm sắp đặt, điêu khắc và tranh mới của Chiharu Shiota. Hiện sống và làm việc ở Berlin, Shiota (sinh năm 1972, Osaka, Nhật Bản) nổi tiếng với các tác phẩm sắp đặt ‘nhập vai’ (immersive installation), ví dụ như “Chiếc chìa khóa trong tay” mà bà từng bày đại diện cho Nhật Bản tại Venice Biennale năm 2015. Sử dụng các sợi chỉ để 'vẽ' trong không gia 3 chiều, bà dệt các mạng lưới sợi phức tạp vào không gian, mở ra những khung cảnh trải nghiệm khó quên cho du khách, giúp họ khám phá các mối quan hệ giữa cơ thể, ký ức, sự sống và cái chết. Chiharu Shiota từng tham gia các sự kiện nghệ thuật đương đại đỉnh cao như Venice Biennale 2015; Aichi Triennale 2010; Gwangju Biennale 2006 và Yokohama Triennale 2001. 

(Artnet)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Chiharu Shiota. 

Tại PARIS, Pháp, từ 3/11 đến 21/12/2018, Galerie Marian Goodman giới thiệu triển lãm “Folded waves Vagues pliées” (Sóng gấp Sóng gấp) với các tác phẩm của Lawrence Weiner. Là một trong những nhân vật hàng đầu của nghệ thuật Ý niệm từ cuối 1960, ông đã đề xuất mối quan hệ mới của ngôn ngữ nghệ thuật và xác định lại vị thế của người nghệ sĩ. Ngoài việc đặt câu hỏi về bản chất của tác phẩm nghệ thuật, về sự chế tác và phổ biến của nó, Weiner cũng cho rằng sự tiếp nhận của nó về bản chất gắn liền với bối cảnh văn hóa xã hội mà nó được thể hiện. Sử dụng ngôn ngữ làm phương tiện biểu đạt chính, ngay từ cuối những năm 1960, Lawrence Weiner thích trình bày bằng chữ in hoa, các cấu trúc của ông, bao gồm ngôn ngữ hoặc các đoạn văn bản, thường đi kèm với các dấu và đường kẻ đồ họa, cho phép người xem phát triển diễn giải và kinh nghiệm của cá nhân.

(Art Daily)

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Lawrence Weiner/Galerie Marian Goodman.

Tại MUMBAI, Ấn Độ, từ 4/12/2018 đến 03/1/2019, trung tâm nghệ thuật đương đại Chemould Prescott Road mở triển lãm mang tên “Abhaya: In the palm of our hand” (Abhaya: Trong lòng bàn tay chúng ta) của kiến trúc sư nghệ sĩ Bijoy Jain. Đây là một triển lãm mà khái niệm của nó đã phát triển theo thời gian. Triển lãm này như một bản đồ vũ trụ, một mandala, bắt đầu như một mô hình có cấu trúc, rồi trong những tháng tiếp theo đã được cấu hình lại, hàng trăm lần - không chỉ là không gian, mà cả cách các đối tượng sẽ được trưng bày trong đó. Công việc của Bijoy Jain với tư cách là một kiến ​​trúc sư luôn theo cách tiếp cận nghệ thuật: land-art, nghệ thuật ý niệm, trừu tượng, biểu hiện, biểu hình, trong đó hình và vô hình hòa lẫn vào nhau, không hề có ranh giới.

(Artnews)

Một số góc trưng bày trong không gian triển lãm. ©Bijoy Jain/Chemould Prescott Road.

Andrea Trần (Tổng hợp và lược dịch)