Tại PARIS, Pháp, từ 28/2 đến 28/5/2018,  Trung tâm Pompidou phối hợp với National Gallery Singapore trưng bày triển lãm “Latiff Mohidin. Pago Pago (1960-1969)” với những tác phẩm của Latiff Mohidin - một trong những nhà hiện đại chủ chốt của Đông Nam Á. Latiff Mohidin không chỉ là một trong những nghệ sĩ hàng đầu của Đông Nam Á, ông còn là một trong những nghệ sỹ đầu tiên đã hình dung 'Đông Nam Á' như một ‘vương quốc’ có thẩm mỹ riêng. Triển lãm sẽ trưng bày hơn 70 tác phẩm nghệ thuật và các tài liệu lưu trữ được thu thập từ các bộ sưu tập công và tư nhân hàng đầu ở Singapore và Malaysia. Latiff Mohidin (sinh năm 1941) là họa sĩ và nhà thơ hiện đại của Malaysia. Từ 1960-1964, ông được trao học bổng nghiên cứu tại Hochschule für Bildende Künste ở Tây Berlin, Đức. Là một nhà thơ, hoạt động mỹ thuật của Latiff Mohidin cũng thường được liên kết với các hoạt động văn học.

(Blouin Artinfo)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm của Latiff Mohidin trong triển lãm. ©Pompidou Centre / NGS.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, nhà đấu giá Phillips thông báo  phiên đấu giá nhiếp ảnh đầu tiên của New York trong năm nay sẽ mang tên “Hình ảnh bền lâu: Những bức ảnh từ bộ sưu tập của Tiến sĩ Saul Unter”. Bộ sưu tập tư nhân đầy ấn tượng này gồm 29 tác phẩm sẽ được bán trong ngày 9/4/2018, gồm các tác phẩm của Edward Steichen, Rudolf Koppitz, Man Ray, Robert Capa, và Alfred Eisenstaedt, cùng với các bậc thầy về nhiếp ảnh khác. Bộ sưu tập của Unter tập hợp một nhóm các tác phẩm đáng chú ý từ hơn sáu thập kỷ, bao gồm phạm vi của tinh thần con người. Với đôi mắt tinh tường, ông đã tạo dựng nên một bộ sưu tập nhiếp ảnh thật ấn tượng, nhấn mạnh niềm tin cá nhân của ông rằng “hành động chụp ảnh là biểu hiện của ý chí con người”. Dẫn đầu bộ sưu tập là hình tượng của Edward Steichen về Gloria Swanson, một trong những bức chân dung nổi tiếng nhất của thế kỷ 20.

(Art Daily)

 

Robert Capa, “Death of a Loyalist Soldier”, 1936. Giá dự kiến: $80,000-120,000. 

 

Edward Steichen, “Gloria Swanson”, New York, 1924. Giá dự kiến: $400,000 - 600,000 

  

Man Ray, “Nude”, 1927, Giá dự kiến: $50,000 - 70,000 

 

Rudolf Koppitz, “Bewegungsstudie (Movement Study)”, 1924, Giá dự kiến: $200,000 - 300,000 

 

 

Tại BONN, Đức, từ ngày 8/3 đến 27/5/2018, Bảo tàng nghệ thuật quốc gia Đức trưng bày triển lãm mang tên “Đức không phải là ốc đảo” với 150 trong số 172 tác phẩm thuộc bộ sưu tập nghệ thuật của Cộng hoà Liên bang Đức, được lựa chọn của 81 nghệ sĩ; số tác phẩm này đã được Ủy ban Sưu tầm Cộng hòa Liên bang Đức mua trong 5 năm qua, tất cả đều xoay quanh chủ điểm: “Các tác phẩm nào có liên quan đến xã hội và có thể truyền đạt thông tin - bây giờ và trong tương lai - về tình trạng của nước Đức ngày hôm nay?”. Triển lãm cho thấy nhiều hình thức nghệ thuật đương đại, nảy nở từ sự đa nguyên về văn hoá, quan điểm về thế giới, tôn giáo và lối sống trong xã hội Đức đương thời, bên cạnh đó cũng khảo sát ý nghĩa của những ý tưởng chính thống và thẩm mỹ, các thông điệp có tính phê phán, và nhiều quan điểm văn hoá phổ biến trong bối cảnh nghệ thuật mang tính ý niệm có liên quan đến xã hội hiện đại.

(E-flux)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Bundeskunsthalle.

 

Tại STOCKHOLM, Thuỵ Điển, mới đây Bảo tàng Quốc gia Thuỵ Điển thông báo họ đã mua lại bức chân dung của huyền thoại điện ảnh Greta Garbo, do nhiếp ảnh gia người Mỹ Edward Steichen chụp năm 1928. Bức chân dung được coi là một tác phẩm quan trọng và tiêu biểu của nhiếp ảnh tiền phong đương đại - liên quan đến lối chụp cận cảnh cực đoan. Hơn 75 năm sau khi ra mắt bộ phim cuối cùng của cô, Garbo vẫn là nữ diễn viên Thụy Điển nổi tiếng nhất. Nghịch lý, hình ảnh tĩnh của gương mặt nữ diễn viên ngày nay nổi tiếng hơn vai diễn và diễn xuất của cô. Cô đã trở thành một trong những hình ảnh chính thức của ngành công nghiệp điện ảnh. Edward Steichen (1879-1973) đã có một sự nghiệp lâu dài với tư cách là một nhiếp ảnh gia người Mỹ có ảnh hưởng đến cả nhiếp ảnh đương đại và historiography. Sự nghiệp của ông trùng hợp với thời kỳ đỉnh cao của chủ nghĩa tượng trưng, ​​một phong trào thúc đẩy sự thừa nhận nghệ thuật nhiếp ảnh.

(Art Daily)

 

Edward Steichen, “Greta Garbo”, Ảnh gelatin silver, 1928, in lại 1961. © Edward Steichen.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, Quỹ Nghệ thuật Công mới đây đã dựng tác phẩm điêu khắc mới mang tên “Wind Sculpture (SG) I”, của nghệ sĩ người Anh gốc Nigeria Yinka Shonibare ở lối vào phía đông nam của Central Park. Được làm từ sợi thủy tinh với bề mặt sơn nhiều hình mẫu phức tạp, tác phẩm điêu khắc cao 23 foot. Shonibare luôn ý thức về xây dựng bản sắc văn hoá thông qua ống kính của chủ nghĩa thực dân. Tác phẩm phản ánh các vấn đề xã hội gắn với hiện tại của chúng ta, bao gồm cả ý tưởng xuyên biên giới và vai trò của các di tích trong xã hội không đồng nhất. Đây là một trong những tác phẩm trừu tượng nhất của ông, nhưng nó vẫn kể một câu chuyện. Một chiếc buồm có hoa văn và bản thân nó đã cho thấy các lớp vỏ địa chất, văn hoá và cá nhân của một sự di cư được sinh ra trên các dòng chảy của lịch sử thuộc địa. Yinka Shonibare MBE (sinh năm 1962 London, Anh) chuyển đến Lagos, Nigeria vào năm ba tuổi; ông hiện đang sống và làm việc ở khu East End của London.

(The Artnewspaper)

 

 

Tác phẩm điêu khắc “Wind Sculpture (SG) I”, của nghệ sĩ Yinka Shonibare mới dựng ở lối vào phía đông nam của Central Park, New York. ©Yinka Shonibare.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ 10/3 đến 20/4/2018, Galerie Chantal Crousel giới thiệu triển lãm “ReCycle”, một phản ánh về sức mạnh của việc tái chế đồ vật, tập hợp nhiều tác phẩm của 17 nghệ sĩ có tên tuổi, được sáng tác từ 1942 đến 2017. Triển lãm trưng bày lịch sử ra đời và phát triển của nghệ thuật sử dụng đồ vật ghép và tiềm năng của việc tái chế từ tác phẩm tiên phong của Kurt Schwitters, tới các nghệ sỹ trong thập niên 80 và cho đến ngày nay. Nó không chỉ liên quan đến ý tưởng mang lại ý nghĩa mới cho thế giới vật chất trong đời sống hàng ngày, mà còn điều tra mối quan hệ giữa các nghệ sỹ với các đồ vật được chọn, tìm kiếm các cuộc đối thoại bất ngờ trong các sáng tác có cấu trúc nghiêm ngặt, thử nghiệm các đặc tính vật lý của các vật liệu được sử dụng với tính hài hước và trí tuệ, cung cấp các hệ thống thị giác và truyền thông mới, tạo ra một cuộc trò chuyện vượt ra ngoài biên giới và một định nghĩa mới của vẻ đẹp.

(Art Daily)

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm “Recycle” tại Galerie Chantal Crousel, Paris. ©Chantal Crousel.

 

Tại MIAMI, Mỹ, từ ngày 13/3 đến 20/5/2018, Bảo tàng Do Thái của Florida-FIU tổ chức triển lãm “Stranded in Shanghai: Arthur Rothstein’s Photographs of the Hongkew Ghetto, 1946” – với nhiều bức ảnh tư liệu quý hiếm của Arthur Rothstein, mang tới cho công chúng những bài học lịch sử về sự đau khổ của con người, về lòng khoan dung và từ bi dành cho nhân loại. Những bức ảnh được nhiếp ảnh gia huyền thoại Arthur Rothstein chụp trong thời kỳ khó khăn của những năm 1940, khi Thượng Hải trở thành địa chỉ hy vọng cuối cùng cho những người tị nạn tuyệt vọng chạy trốn khỏi nạn khủng bố của Đức quốc xã. Có 20.000 người Do Thái ở Châu Âu đã thoát chết nhờ lánh nạn tới Thượng Hải – dù lúc này thành phố bị Nhật chiếm đóng. Những bức ảnh tư liệu quý trong triển lãm là bằng chứng trực quan về một giai đoạn lịch sử của một thời đại mà đến hôm nay cuộc khủng hoảng về người tị nạn vẫn còn tiếp diễn.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

Một số bức ảnh trong triển lãm. ©The Jewish Museum of Florida-FIU.

 

 

Tại MUMBAI, Ấn Độ, từ 12/3 đến 15/4/2018, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Quốc gia Ấn Độ tổ chức triển lãm hồi cố mang tên “Manu Parekh, 60 năm với các tác phẩm chọn lọc” với hơn 150 tác phẩm tuyển chọn từ bộ sưu tập của bảo tàng. Manu Parekh là một trong những họa sỹ sáng tạo nhất của Ấn Độ. Tác phẩm của ông khám phá mối quan hệ giữa con người và thiên nhiên, cảnh quan, xã hội. Triển lãm này là cuộc khảo sát toàn diện đầu tiên về các tác phẩm nghệ thuật kéo dài gần sáu thập kỷ của một sự nghiệp sáng tạo bền bỉ, có chiều sâu và rất đa dạng. Hành trình nghệ thuật của ông được làm giàu và ảnh hưởng sâu rộng từ những trải nghiệm đa dạng với đời sống của những người thợ thủ công ở nhiều vùng nông thôn Ấn Độ, Những bức tranh của ông khiến người xem chú ý đến thế giới xung quanh họ thông qua nhiều cung bậc cảm xúc, đau đớn và hạnh phúc, âu lo và yên bình. 

(mojarto)

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Manu Parekh.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, từ 1/3 đến 7/4/2018, gallery Sikkema Jenkins & Co. giới thiệu triển lãm cá nhân của nữ nhiếp ảnh gia Deana Lawson. Ảnh chân dung của Deana Lawson là sản phẩm của một cuộc hành trình lâu dài và độc đáo. Các bức ảnh kích thước lớn trong triển lãm này là kết quả của những chuyến đi của nhiếp ảnh gia tới Nam Carolina, Swaziland, Jamaica, và Soweto, Nam Phi, cũng như xung quanh khu phố Brooklyn của nghệ sĩ. Được bày bên cạnh nhau, chúng đại diện cho câu chuyện ly tán của cộng đồng châu Phi và bản sắc người Mỹ gốc Phi mà Lawson luôn xem như sự thừa nhận về dòng dõi và số phận. Sinh năm 1979 tại Rochester, New York, có bằng cử nhân nghệ thuật đại học Penn State năm 2001 và  thạc sĩ nhiếp ảnh của RISD năm 2004; hiện cô đang dạy chụp ảnh tại Đại học Princeton và sống ở Brooklyn.

(hyperallergic)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Deana Lawson.

 

 

Tại BERLIN, Đức, từ 10/3 đến 21/4/2018, phòng tranh Contemporary Fine Arts giới thiệu triển lãm cá nhân của Georg Herold  mang tên “Beyly's Cousine” với các tác phẩm được thực hiện trong khoảng thời gian từ năm 1993 đến năm 2018. Nổi tiếng từ hơn 30 năm qua, Herold từ lâu đã quan tâm đến việc hạ bất cứ thứ gì đặt trên bệ, cả về nghĩa đen lẫn nghĩa bóng. Mỗi tác phẩm của ông truyền đạt một sự tìm kiếm sự không thống nhất hài hòa về hình thức và nội dung. Là một nghệ sỹ có tầm quan trọng quốc tế, sự nhạy cảm của nước Đức và trải nghiệm của Herold về quá khứ bị chia cắt của đất nước vẫn còn hiển hiện trong những tác động chính trị và hài hước trong nhiều tác phẩm - một số phảng phất chủ nghĩa Tối giản, trong khi những tác phẩm khác gợi nhớ những nụ cười trong tranh Manet. Georg Herold (sinh năm 1947 tại Jenna, Đức) sống và làm việc tại Cologne.

(Art Daily)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Georg Herold.

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)