Tại LONDON, Anh, theo thông báo của nhà đấu giá Sotheby’s, ngày 21/6 tới đây, trong phiên đấu giá “Actual Size” (Kích thước thật) sẽ có bán những tác phẩm mini nhưng giá dự kiến rất “khủng”. Ví dụ: một bức tranh màu nước chỉ cỡ 5x8 inch với nhan đề  “Những phụ nữ đang tắm, phía xa là ngọn Mont Sainte-Victoire” của Cezanne, 12.7 x 21.6cm, dự kiến sẽ bán được từ 4 triệu đến 6 triệu bảng. Tương tự, một bức ký hoạ của Van Gogh kích thước 24,2 x 31,6cm tiêu đề “Một góc vườn ở Arles” cũng dự kiến bán được từ 1,5 đến 2 triệu bảng. Theo curator nghệ thuật của nhà Sotheby’s, “dù các bức tranh hay pho tượng trong phiên này kích thước nhỏ song chúng thực sự hội tu được tầm vóc vĩ đại của các thiên tài”. Quả thật, kích cỡ không bao giờ là thước đo giá trị nghệ thuật của một tác phẩm nghệ thuật.

(Art Daily)

 

Cezanne, “Những phụ nữ đang tắm, phía xa là ngọn Mont Sainte-Victoire”, khoảng 1902-1906, 12.7cm x 21.6cm. Màu nước và chì. ©Sotheby’s London.

 

Van Gogh, “Một góc vườn ở Arles”, 1888, 24,2 x 31,6cm. Ký hoạ chì, bút sắt, mực. ©Sotheby’s London.

 

Tại LONDON, Anh, phòng tranh danh tiếng Robilant + Voena tại London hiện đang bày một triển lãm tranh của Giorgio Morandi (1890-1964), từ 7/6 đến 28/7/2017. Triển lãm bao gồm 4 tranh phong cảnh, 7 tranh tĩnh vật và 1 bức màu nước, được sáng tác trong khoảng 1940 - 1960. Giorgio Morandi nổi tiếng với biệt tài sử dụng ánh sáng và màu sắc để vẽ nên những bức tranh tinh tế và trầm mặc. Trong suốt sự nghiệp phong phú của mình Morandi gần như chỉ tập trung vào hai chủ đề: phong cảnh và tĩnh vật, đặc biệt là các đồ vật bình dị: chai, vỏ, bình, hộp, hoa và phong cảnh nông thôn gần Bologna. Những đồ vật của ông như thể những ‘linh vật để chiệm nghiệm’, để người xem thăng hoa cùng những hình khối tinh khiết và kiệm sắc, chứ không nhằm thoả mãn thị giác thông thường.

(Artsy) 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Robilant+Voena/Mark Blower.

 

 

Theo tin từ PARIS, mới đây Quỹ di sản James Rosenquist (New York) và phòng tranh Galerie Thaddaeus Ropac (London, Paris, Salzburg) đã đạt được thoả thuận để Galerie Thaddaeus Ropac chính thức làm đại diện cho các di sản nghệ thuật của James Rosenquist trên toàn thế giới. Đây là một vinh dự và cũng là niềm vui lớn đối với Thaddaeus Ropac khi được đại diện cho James Rosenquist. Ông không chỉ là một trong những nghệ sĩ Mỹ vĩ đại nhất của mọi thời đại,  một nhà tiên phong của trào Pop Art, ông còn là một người bạn thân của phòng tranh chúng tôi. Trong suốt 25 năm trở lại đây, Thaddaeus Ropac luôn có vinh dự tổ chức những cuộc triển lãm đáng nhớ của James Rosenquist. Trong thế giới nghệ thuật, việc được làm đại diện chính thức cho một di sản của một nghệ sĩ không chỉ là vinh dự của bất kỳ một gallery nào,mà họ còn phải có trách nhiệm gìn giữ uy tín và nỗ lực khuếch trương nghệ thutaaj cùng tên tuổi của người nghệ sĩ trên phạm vi toàn cầu.

(Artlyst)

 

 

 

 

 James Rosenquist và một số tác phẩm của ông. ©Russ Blaise/Galeries Thaddaeus Ropac.

 

 

Tại The Hague, Hà Lan, nhân kỷ niệm 100 năm ra đời phong trào De Stijl, từ ngày 10/6 đến 17/9/2017, viện bảo tàng nghệ thuật Gemeentemuseum Den Haag và Viện Het Nieuwe Instituut phối hợp tổ chức cuộc triển lãm nhan đề “kiến trúc và nội thất – Niềm khát khao về phong cách” nhằm vinh danh một trào lưu thiết kế tiên phong, cách tân và tiến bộ do các kiến trúc sư và nhà thiết kế hàng đầu thế giới người Hà lan như Gerrit Rietveld, Theo van Doesburg, Cornelis van Eesteren và J.J.P. Oud khởi xướng. Một phong cách phổ quát mới đáp ứng nhu cầu của một xã hội hiện đại - đó là những gì các nhà thiết kế và kiến ​​trúc sư của De Stijl phấn đấu. Các tác phẩm thiết kế hiện đại và trang nhã của họ đã vượt ra ngoài khuôn khổ tranh giá vẽ, tượng và các công trình kiến ​​trúc mà tràn vào cả các phạm vi ứng dụng như thiết kế đồ nội thất, may mặc, quảng cáo, bao bì, tranh trí đường phố, và thậm chí toàn bộ thị trấn, thành phố.

(Art Daily)

 

Theo van Doesburg và Cornelis van Eesteren, Đồ án nhà hình khối, 1923.

 

Theo van Doesburg, Thiết kế tranh trí nội thất cho toà nhà Great Hall ở Aubette, 1927.

 

Gerrit Rietveld, Ghế đỏ và xanh, khoảng 1918.

 

Gerrit Rietveld, Bộ tủ và bàn, 1919.

 

 

Tại NEW YORK, Hoa Kỳ, từ ngày 9/6 đến 23/10/2017, Bảo tàng Whitney về nghệ thuật Hoa Kỳ tổ chức cuộc triển lãm lớn mang tên “Calder: Hypermobility” (Calder: Siêu động) với nhiều tác phẩm điêu khắc then chốt của Alexander Calder. Trong đầu thập niên 1930, Alexander Calder (1898-1976) đã trình làng những phát minh hoàn toàn cách tân nghệ thuật: điêu khắc động. Những tác phẩm điêu khắc của ông hoạt động rất tinh vi, từ những dao động nhẹ nhàng cho tới những hoạt động kỳ lạ, và đôi khi không thể đoán trước, thậm chí kích hoạt cả âm thanh như những bộ gõ. Alexander Calder đã là chủ đề của nhiều cuộc triển lãm tại Bảo tàng Whitney, bao gồm “Alexander Calder: Tapestries” (1971), “Calder’s Circus” (1972), “Ba nhà điêu khắc: Calder, Nevelson và Smith” (1974), “Alexander Calder: Điêu khắc những năm 1930” (1987- 88) “Kỷ niệm Calder” (1991), “I Think Best In Wire: Alexander Calder” (2006), “Alexander Calder: Những năm tháng ở Paris 1926-1933” (2008-09), và “Colleting Calder” (2014). Ngày nay, bộ sưu tập của Whitney là kho tàng lưu trữ lớn nhất các tác phẩm của Calder.

(The New York Times) 

 

 

 

 

Một số tác phẩm tại triển lãm. ©Whitney Museum of American Art.

 

 

Tại LONDON, Anh, từ ngày 8/6 đến 10/9/2017, phòng tranh Serpentine đã mời nghệ sĩ người Anh Grayson Perry, một trong những ‘nhà bình luận sắc sảo nhất’ về văn hoá và xã hội đương đại, trình bày một triển lãm quy mô lớn với các tác phẩm mới của ông nhàn đề “Grayson Perry: The Most Popular Art Exhibition Ever!” . Làm việc với một loạt các chất liệu truyền thống như gốm sứ, gang, đồng, tranh in và thảm, Perry nổi tiếng với biệt tài kết hợp các đồ vật thủ công tinh tế với bối cảnh cuộc sống đương đại cùng các vấn đề xã hội rộng lớn như chính trị, tình dục và tôn giáo. Sinh ra tại Chelmsford, Essex, 1960, Grayson Perry hiện đang sống và làm việc tại London. Grayson Perry đã có nhiều triển lãm cá nhân lớn ở nước Anh và trên thế giới. Ông đoạt giải Turner năm 2003, được bầu là viện sĩ viện Hàn Lâm nghệ thuật Anh quốc năm 2012; được nữ hoàng Anh phong tước CBE năm 2013.

(The Guardian)

 

 

 

 

 Một số tác phẩm tại triển lãm. ©Grayson Perry/Serpentine.

 

 

Tại HỒNG KONG, từ ngày 26/5 đến 8/6/2017, phòng tranh Perrotin Hồng Kông tổ chức cuộc triển lãm  cá nhân dành riêng cho họa sĩ ý niệm nổi tiếng Claude Rutault. Đây cũng là triển lãm đầu tiên của ông ở châu Á. Năm 1973 Claude Rutault vẽ một bức tranh khổ 20 x 20 cm cùng màu với màu bức tường trong nhà bếp của ông, và nó được coi là tác phẩm mở đầu của cái gọi là phương pháp sáng tác là “de-finition/method” (phương pháp ‘định nghĩa’, hoặc ‘không kết thúc’). De-finition/method giống như văn bản của hoạ sĩ, thể hiện mục tiêu phải đạt được. Nó không chỉ đặt lại câu hỏi “một bức tranh là gì”, dự báo kết quả đơn thuần của một ý tưởng, mục đích của sáng tác, mà có khi còn là tập hợp các hướng dẫn, quy định của việc hoàn thành tác phẩm. Ví dụ: tranh tạo nên từ các mảnh ghép (“generalized painting-puzzle”), các tấm toan dựa vào tường, đặt trên sàn, treo trên trần (“dream canvases”), các tấm toan chưa vẽ úp mặt vào tường (“toward a self-portrait of painting”).  Theo Claude Rutault, bức tranh “de-finition/method” đã được mở rộng thêm ra môi trường xung quanh nhờ cùng màu với tường treo nó. Mọi hình dạng hình học đều có thể áp dụng: hình chữ nhật, hình vuông, tròn hoặc hình bầu dục.”

(Art Daily)

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Claude Rutault / Perrotin.

 

 

Tại ROTTERDAM, từ ngày 10/6/2017, Bảo tàng Boijmans Van Beuningen sẽ bố trí lại toàn bộ bộ sưu tập vĩnh viễn của mình theo một cấu trúc trưng bày hoàn toàn mới: bố trí các tác phẩm cổ điển sát bên cạnh các tác phẩm đương đại, tạo nên những cuộc đối thoại lý thú giữa các nghệ sĩ và các thời đại. Theo Carel Blotkamp, hoạ sĩ, ​​giáo sư lịch sử nghệ thuật tại Đại học VU ở Amsterdam, người đề xuất hình thức trưng bày mới này, ông muốn “chia bộ sưu tập thành tám khối thời gian. Nó giống như một chuyến du hành xuyên qua lịch sử nghệ thuật trong một cỗ máy thời gian, và hy vọng sự chuyển đổi đột ngột thời gian giữa các tác phẩm sẽ làm sắc nét thêm tác phẩm và kích thích tâm trí người xem.” Với hình thức trưng bày mới các tác phẩm nghệ thuật, ông cũng muốn khuyến khích mọi người quan sát thật chậm mỗi khi đến bảo tàng.  Bảo tàng Boijmans Van Beuningen hiện nay có một bộ sưu tập gồm hơn 145.000 hiện vật có niên đại từ thế kỷ 13 cho đến nay, bao gồm nhiều tác phẩm của các nghệ sĩ nổi tiếng thế giới.  

(Art Daily)

 

 

 

Hai tác phẩm bố trí gần nhau: Donald Judd, “Vô đề”, 1984 (trên) và Anthony van Dyck, Saint Jerome, 1618-1620 (dưới). ©Museum Boijmans Van Beuningen.

 

 

Tại KASEL, Đức, nữ nghệ sĩ Cecilia Vicuña đã được Hội đồng quốc gia về Văn hóa và Nghệ thuật Chile cử đại diện quốc gia này tham dự Documenta 14 năm nay. Là nhà thơ và nghệ sĩ thị giác, Cecilia Vicuña sẽ mang tới Documenta 14 Dự án nghệ thuật sắp đặt “Open City of Ritoque”. Vicuña bắt đầu sự nghiệp từ những năm 1960, là đồng sáng lập của nhóm No Tribe, sống và hoạt động nghệ thuật ở New York từ năm 1980. Trong sự nghiệp của mình phát triển, bà đã thể hiện sự quan tâm tới các vấn đề chính trị, môi trường và những loại hình đời sống hiện đại thông qua thơ ca, nghệ thuật tạo hình và nghệ thuật trình diễn - kết nối đời sống và nghệ thuật, truyền thống và đương đại. Năm nay, ngoài việc tham dự Documenta 14, Cecilia Vicuña cũng sẽ có các cuộc triển lãm cá nhân và nhóm tại Trung tâm Nghệ thuật Đương đại ở New Orleans. Mỹ, Bảo tàng Mỹ thuật tại Santiago de Chile vào tháng 7 và 8/2017.

(Artnews)

 

 

 

Một số tác phẩm của Cecilia Vicuña tại Documenta 14. ©Cecilia Vicuña.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ 13/6 đến 24/9/2017, Bảo tàng Jeu de Paume tổ chức cuộc triển lãm quy mô của Ed van der Elsken (1925-1990) - một nhân vật phi thường của nền nhiếp ảnh và điện ảnh Hà Lan thế kỷ 20. Với tư cách một nhiếp ảnh gia có sự đồng cảm sâu sắc đối với mọi đối tượng sinh hoạt đời thường, ông thường chọn đời sống đường phố của các thành phố như Paris, Amsterdam, Hong Kong hay Tokyo làm  chủ đề nghệ thuật của mình. Các bức ảnh của ông luôn là “một xác thực thị giác, không có kỹ xảo, một vẻ đẹp công khai, đôi khi gợi cảm, vào những thời điểm tế nhị”. Cuộc triển lãm tại Jeu de Paume trình bày những tác phẩm chọn lọc mang tính biểu tượng nhất của Ed van der Elsken: những bức ảnh của Paris từ những năm 1950; những nhân vật ông chụp ảnh trên nhiều chuyến du ngoạn của ông tại quê hương Amsterdam trong những năm 1960; những cuốn sách ảnh hay trích đoạn từ phim hay slide shows của ông, đặc biệt là từ “Eye Love You” và “Tokyo Symphony”.

(Art Daily)

 

Paris, 1950. ©Ed van der Elsken / Ed van der Elsken Estate.

 

Brigitte Bardot, Paris, 1952. ©Ed van der Elsken / Ed van der Elsken Estate.

 

Cô gái ở bến tàu điện ngầm Tokyo, 1981. ©Ed van der Elsken / Ed van der Elsken Estate.

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)