Điểm tin mỹ thuật nhiếp ảnh thế giới – từ ngày 11 đến 17/3/2019

Nguồn:

Andrea Tran (Tổng hợp & Lược dịch) 27/03/2019


Tại MUMBAI, Ấn Độ, từ 14/3 đến 30/4/2019, phòng tranh Chemould Prescott Road mở triển lãm “Những chỉ dấu hiệu cho những điều kỳ diệu” của Lavanya Mani (sinh năm 1977) với các tác phẩm khai thác kỹ thuật thủ công truyền thống để khám phá lịch sử, thương mại và các động lực xã hội. Sử dụng chất liệu chính là kỹ thuật dệt kalamkari cổ truyền, Lavanya tạo ra các kết cấu với các biểu hiện liên quan tới lịch sử và tính đương thời, cung cấp cho khán giả một quang cảnh của cả quá khứ và hiện tại. Các tác phẩm đa lớp của Lavanya Mani là sự lồng ghép những suy tư và ý tưởng của nghệ sĩ thông qua sự kết hợp của một số chất liệu khác nhau, đáng chú ý nhất là các loại vải dệt được nhuộm, in. Năm 2001, Lavanya Mani nhận bằng tiến sĩ về Lịch sử Nghệ thuật & Thẩm mỹ tại Đại học Maharaja Sayajirao, Baroda. Nghệ sĩ hiện đang sống và làm việc tại Vadodara và Gandhinagar, Gujarat, Ấn Độ.

(Art Daily) 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Lavanya Mani.

 

 

Tại DUBAI, Các Tiểu Vương quốc Ả Rập, từ 18/3 đến 18/4/2019, Empty Quarter Gallery mở triển lãm ảnh của nghệ sĩ nhiếp ảnh người Nhật Y. Kawashima có nhan đề “Sheikh Rashid & Dubai 1962” với các bức ảnh trích từ bộ sưu tập của Sheikh Rashid. Dubai từng là một khu định cư nhỏ nghèo nàn trước buổi bình minh của thời kỳ hiện đại hóa, một nơi sôi động đáng ngạc nhiên với các hoạt động thương mại cổ truyền. Kawashima bị mê hoặc bởi năng lượng của nó, sự hối hả và nhộn nhịp, không thể không nhấn nút chụp của máy ảnh, do đó, nắm bắt tức thì cuộc sống ở thành phố cảng khắc nghiệt nhưng đầy sức sống này. Là một nhiếp ảnh gia chuyên nghiệp, Kawashima tự hào là người quan tâm tới con người. Người xem gần như có thể cảm nhận được cảm xúc của một ai đó trong một bức ảnh. Những hình ảnh gợi lên nhiều câu chuyện về năm tháng đã qua, đưa quá khứ lại gần hơn với chúng ta sau hơn nửa thế kỷ.

(Artnet)

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Empty Quarter Gallery.

 

 

Tại AMSTERDAM, Hà Lan, Bảo tàng Stedelijk hiện đang có hai triển lãm cá nhân của các tác giả nữ với những tác phẩm mới của Raquel van Haver (từ 25/11/2018 đến 07/4/2019) và của Jacqueline de Jong (từ 09/2 đến 18/8/2019). Các tác phẩm sau triển lãm đều được bảo tàng mua lại với sự hỗ trợ hào phóng của ngân hàng BankGiro Loterij nhằm tăng cường tác phẩm của các nữ nghệ sĩ cho bộ sưu tập của bảo tàng này. Trong lịch sử nghệ thuật, tác phẩm của các nữ nghệ sĩ luôn bị coi nhẹ và/hoặc bị bỏ qua. Theo một nghiên cứu gần đây, số sinh viên nữ tại các trường nghệ thuật nhiều hơn số sinh viên nam, song các nghệ sĩ nữ vẫn chưa có mặt nhiều trong các bộ sưu tập của bảo tàng. Bảo tàng Stedelijk, cũng gặp tình trạng chênh lệch tương tự: trong một bộ sưu tập chứa hơn 100.000 tác phẩm nghệ thuật, chỉ có 4% là của nữ nghệ sĩ hoặc nhà thiết kế nữ.

(Artnews)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong hai triển lãm. ©Stedelijk Museum.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, từ 02/3 đến 13/4/2019, Perrotin Gallery mở triển lãm “Tear Show” với các tác phẩm của Michael Sailstorfer -  một trong những nghệ sĩ ý niệm và sắp đặt hàng đầu ở Đức hiện nay. Ngoài các vật liệu thông thường mà ông quen thuộc với tư cách là một nhà điêu khắc nổi tiếng, Sailstorfer còn sử dụng cả âm thanh, mùi hương, cũng như phối hợp các kích thước và sự biến dạng để tạo ra các tác phẩm kích thích trí tưởng tượng. Mơ hồ và nhẹ nhàng, tác phẩm của ông đôi khi truyền tải sự dí dỏm tinh nghịch, ở những tác động biểu cảm khác nhau, tạo ra trạng thái hồi hộp đa nghĩa - một cảm giác biến đổi vượt quá những phạm trù thông thường trong bầu không khí gây kinh ngạc. Sử dụng hình tượng chủ đạo là những ‘giọt nước mắt’ như đại diện của cảm xúc của con người, nghệ sĩ đã nhấn mạnh tới sự đa dạng trong khi khai thác các chủ đề xuyên thời gian và sự biến đổi hiện sinh.

(Daily Artfair)

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Michael Sailstorfer. 

 

 

Tại GREENWICH, Anh, từ 20/3/2019 đến tháng 1/2020, The Queen’s House (Cung Nữ hoàng) giới thiệu một bộ tác phẩm nhiếp ảnh mới của nghệ sĩ Susan Derges có tên là “Mortal Moon” - được truyền cảm hứng từ bức chân dung của nữ hoàng Elizabeth I và những con tàu viễn dương mỏng manh trên các đại dương. Các tác phẩm được trưng bày trong Phòng khánh tiết của toà cung điện cùng với bức chân dung mang tính biểu tượng của nữ hoàng Elizabeth I. Được đào tạo như một họa sĩ, Susan Derges nổi tiếng với phương pháp tiên phong trong việc nắm bắt sự chuyển động liên tục của nước bằng cách nhúng giấy ảnh trực tiếp vào nước sông hoặc sóng biển. Tại triển lãm này, bà đã tạo ra bốn tác phẩm nhiếp ảnh mới, sử dụng cả kỹ thuật số, với trọng tâm đặc biệt là Mặt trăng. Tiêu đề ‘Mortal Moon’ trích từ tác phảm của Shakespeare, khiến người xem ghi nhớ: vẻ đẹp, sức mạnh, địa vị, và tài nguyên rất mong manh và luôn có thể bị lu mờ.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Susan Derges.

 

 

Tại PARIS, Pháp, từ 16/3 đến 11/5/2019, phòng tranh Perrotin mở triển lãm cá nhân đầu tiên của hoạ sĩ người Hàn Quốc Kim Chong Hak (sinh năm 1939, Shinuijoo, Bắc Triều Tiên) - một nhân vật nổi tiếng trong làng nghệ thuật đương đại Hàn Quốc. Nổi tiếng với tên gọi “Họa sĩ của Seorak” (tên ngọn núi Seorak cao thứ ba ở Hàn Quốc), tranh của ông thường có các họa tiết liên quan tới thiên nhiên: hoa, côn trùng, cỏ dại. Từ năm 1960 đến 1978, ông đã khám phá rồi chối bỏ chủ nghĩa hiện đại phương Tây; từ năm 1979 đến 1986, ông bắt đầu kết hợp thiên nhiên với thẩm mỹ truyền thống của Hàn Quốc. Từ năm 1987 trở lại đây, khi Kim định cư vĩnh viễn trên núi Seorak, ông bước vào thời kỳ trưởng thành, lấy các mô típ thiên nhiên để xây dựng nghệ thuật của mình. Tranh của ông có trong một số bộ sưu tập quan trọng, bao gồm Bảo tàng nghệ thuật Leeum Samsung, Seoul; Bảo tàng nghệ thuật đương đại quốc gia, Seoul; Bảo tàng nghệ thuật Seoul, Seoul; và Bảo tàng nghệ thuật Busan, Busan, Hàn Quốc.

(The Art Newspaper)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Kim Chong Hak.

 

 

Tại MAASTRICHT, Hà Lan, bộ đôi nghệ sĩ Sander Breure và Witte van Hulzen lưu trú tại Trung tâm văn hoá đương đại Marres đang khẩn trương chuẩn bị các tác phẩm cho cuộc triển lãm vào tháng 5/2019 nhan đề “Floor is Lava”. Được làm từ các vật liệu khác nhau, đất sét, vải, gỗ, các hình vẽ có khuôn mặt biểu cảm, nhưng mặt khác những cẳng chân hay nửa thân người được cấu tạo sơ sài cùng với các mảnh vải được treo / đính lỏng lẻo. Những khuôn mặt trông giống như mặt nạ, không hề liên quan đến cơ thể. Chúng dựa vào tường, ngồi trên những chiếc ghế tạm thời, xếp hàng tại phòng vé hoặc chờ trên sân ga. Đó là những diễn viên đang mong có một vở kịch, những khoảnh khắc hư cấu của sự ứ đọng trong một thế giới liên tục di chuyển; mọi người luôn đóng một vai trò khác nhau trong mọi tình huống, với đặc điểm tính cách và ngôn ngữ cơ thể cụ thể. Sander Breure và Witte van Hulzen hiện đều sống và làm việc tại Amsterdam.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Sander Breure và Witte van Hulzen.

 

 

Tại ANTWERP, Bỉ, từ 21/3 đến 19/5/2019, gallery IBASHO giới thiệu triển lãm cá nhân mang tên “Blackout” của nhiếp ảnh gia người Nhật Hitoshi Fugo. Sinh năm 1947, Fugo học nhiếp ảnh tại Đại học Nihon ở Tokyo. Sau khi tốt nghiệp, ông làm việc cho Eikoh Hosoe, một nhiếp ảnh gia hậu chiến hàng đầu tại Nhật Bản. Năm 1973, ông trở thành nghệ sĩ tự do, sống và làm việc tại New York và Paris trong vài năm tiếp theo. Ông đã đi du lịch đến Ấn Độ, Mexico và Hoa Kỳ từ đầu những năm 1970 đến năm 2000, ghi lại những khoảnh khắc tinh tế của dòng thời gian hàng ngày. Ảnh của ông thường khá trừu tượng và độc đáo, rất khó phân loại là ảnh tư liệu hay ảnh đường phố, mà thay vào đó, chúng là sự tích lũy những hình ảnh về con người, phong cảnh và các vật thể, cho thấy mối quan hệ năng động giữa con người và thế giới thay đổi không ngừng.

(Artsy)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Hitoshi Fugo.

 

 

Tại SEOUL, Hàn Quốc, từ 21/3 đến 18/5/2019, gallery Lehmann Maupin giới thiệu triển lãm cá nhân của nghệ sĩ người Nam Phi Nicholas Hlobo - triển lãm đầu tiên của ông tại Seoul - với những tác phẩm  mới được sáng tác bằng các vật liệu đặc biệt như ruybăng, da, gỗ và cao su, kết hợp các hình ảnh nhiệt đới liên quan đến nền tảng dân tộc và văn hóa. Là hậu duệ của một trong những cộng đồng bản địa lớn nhất Nam Phi, Xhosa, Hlobo luôn đặt tiêu đề cho tác phẩm của mình bằng ngôn ngữ Xhosa, như một cách để thách thức thế giới toàn cầu hoá, cũng để khẳng định tiềm năng bản sắc văn hóa. Nicholas Hlobo (sinh năm 1975, Cape Town, Nam Phi; sống và làm việc tại Johannesburg). Tác phẩm của ông có trong nhiều bộ sưu tập công cộng và tư nhân quốc tế, bao gồm Fondation Louis Vuitton, Paris; Phòng trưng bày nghệ thuật quốc gia Nam Phi, Cape Town; và Tate Modern, London.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Nicholas Hlobo.

 

 

Tại SAN FRANCISCO, Mỹ, từ 23/3 đến 11/5/2019, Fraenkel Gallery mở triển lãm với những bức ảnh màu mới của nhiếp ảnh gia Alec Soth. Thân mật và yên tĩnh, những hình ảnh - phần lớn chụp người và/hoặc các nội thất sinh hoạt của một cá nhân -  tiết lộ một điều gì đó rất khó nắm bắt về cả người chụp và người được chụp, truyền tải về đời sống nội tâm của các đối tượng. Alec Soth (sinh năm 1969) hiện sống và làm việc tại Minneapolis, Minnesota. Theo ông, “tôi chỉ muốn dành thời gian quan sát những người khác và hy vọng có thể thấy được phần nào cuộc sống nội tâm thoảng qua của họ.” Tác phẩm của ông có trong bộ sưu tập của Bảo tàng J. Paul Getty, Los Angeles; Học viện nghệ thuật Minneapolis; Bảo tàng nghệ thuật đương đại, Chicago; Bảo tàng nghệ thuật hiện đại, New York; Bảo tàng nghệ thuật hiện đại San Francisco. Ông cũng là thành viên của Magnum Photos.

(Artnet)

 

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Alec Soth.

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp & Lược dịch)

ý kiến - thảo luận / comments:
Mời bạn thảo luận / comments:

Họ tên:

Email:

Capcha

captcha

(Đề nghị gõ chữ tiếng Việt có dấu và không viết tắt)