ĐIỂM TIN MỸ THUẬT VÀ NHIẾP ẢNH THẾ GIỚI – Từ ngày 22 đến 28-1-2017
07/02/2017Bảo tàng Nghệ thuật Ackland của Đại học North Carolina, Mỹ, mới nhận được món quà lớn nhất từ trước tới nay, do các cựu sinh viên là Sheldon Peck và vợ Leena tặng trị giá lên tới 25 triệu USD. Số tiền này sẽ hỗ trợ bảo tàng tuyển dụng các giám sĩ mới và mua thêm 134 kiệt tác nghệ thuật châu Âu, chủ yếu là các danh tác thuộc thế kỷ 17, trong đó có bảy tác phẩm của Rembrandt van Rijn. Với món quà của gia đình nhà Peck, Bảo tàng Nghệ thuật Ackland đã trở thành viện bảo tàng nghệ thuật đầu tiên của một trường đại học công ở Hoa Kỳ có tranh của Rembrandt. (Hiện nay chỉ duy nhất có một bảo tàng nghệ thuật thuộc đại học tư khác của Mỹ có tranh của Rembrandt). Các bảo tàng Mỹ luôn tự hào và cũng nổi tiếng vì thường nhận được các món quà từ các nhà hảo tâm – đó là một truyền thống hiếm có và ít quốc gia nào sánh được.
(Art Fix Daily)
Rembrandt, “Khảo hoạ một phụ nữ và hai trẻ em”, khoảng 1640; vẽ bằng bút sậy và di tay với mực màu nâu sẫm (sắt-mật). ©Bảo tàng Nghệ thuật Ackland, Đại học North Carolina.
Hai cựu sinh viên - ông bà Sheldon và Leena Peck - trong lễ trao tặng trường cũ 25 triệu USD cho Bảo tàng Nghệ thuật Ackland, bao gồm một bộ sưu tập nghệ thuật. ©Đại học North Carolina.
Mới đây, khi nữ điêu khắc gia Pat Lasch muốn mượn lại một tác phẩm điêu khắc làm bằng chất liệu thực phẩm của bà từ Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại (MoMA) ở New York để bày tại một triển lãm hồi cố của mình ở Bảo tàng Nghệ thuật Palm Springs, bà mới tá hoá rằng tác phẩm của bà đã bị MoMA quăng mất từ lâu. Dù ít bán được do chất liệu đặc biệt và khó bảo quản, tác phẩm của Lasch vẫn được các chuyên gia đánh giá cao, có mặt trong nhiều bộ sưu tập danh tiếng, trong đó có cả MoMA ở New York. Về phần mình, MoMA tuyên bố bảo tàng chỉ thuê nữ nghệ sĩ làm tác phẩm như ‘vật trang trí’ cho cuộc triển lãm nhân kỷ niệm 50 năm ngày ra đời của bảo tàng, và dù không được sưu tầm hoặc trưng bày lâu dài tại bảo tàng, nó vẫn được lưu giữ trong kho suốt nhiều năm trước khi “bị hư hỏng nặng và không thể phục hồi được”. Trường hợp này cho thấy trách nhiệm của curator khi lựa chọn nghệ sĩ và tác phẩm trưng bày và/hoặc lưu giữ trong một khoảng thời gian cụ thể. Với nguồn tài nguyên hữu hạn và không gian kho bãi có hạn, rõ ràng không phải tất cả mọi thứ đều có thể được lưu giữ mãi mãi tại các bảo tàng.
Một trong hai bức tranh thần Vệ nữ nổi tiếng của Botticelli lần đầu tiên xuất hiện tại Mỹ nhân cuộc triển lãm lịch sử mang tên “Botticelli và cuộc tìm kiếm Thiên Chúa”. Triển lãm sẽ mở tại Bảo tàng Muscarelle ở Williamsburg từ ngày 11/2/2017 và kéo dài đến hết ngày 6/4. Sau đó, triển lãm được chuyển tới Boston từ ngày 18/4 và kết thúc vào ngày 09/7/2017. Với 16 bức tranh của danh hoạ Ý Sandro Botticelli (1445-1510) - hầu hết đều có kích thước lớn và được mượn/thuê từ các nhà thờ và bảo tàng lớn của sáu thành phố của Ý - triển lãm này là cơ hội hiếm có để công chúng Mỹ được xem tận mắt một số kiệt tác của Botticelli. Mỗi giai đoạn trong sự nghiệp kéo dài và đầy biến động của nhà danh hoạ đều được phản ánh trong các tác phẩm được lựa chọn lần này. Cho đến nay, đây là triển lãm lớn nhất và quan trọng nhất của Botticelli từng được tổ chức tại Hoa Kỳ.
Một cuộc triển lãm mới tại Bảo nghệ thuật quốc gia (SMK) ở Copenhagen đã mang đến cho công chúng cơ hội khảo sát những ảnh hưởng cụ thể của nghệ thuật Nhật Bản đối với các nước Bắc Âu. Sau khi Nhật Bản mở cửa với phương Tây vào giữa thế kỷ 19, đồ gốm, quạt giấy và y phục đã trở thành những món đồ thời thượng và thường xuyên được mô tả trong các bức chân dung và những cảnh nội thất của các hoạ sĩ Âu châu. Triển lãm lần này mang tên “Japanomania in the North, 1875-1918” đã cho thấy hầu hết các nghệ sĩ Bắc Âu thời đó đều coi nghệ thuật và hàng thủ công Nhật Bản “như một cách để quan sát và hiểu được thiên nhiên”. Một trong những ví dụ rõ nhất là bức tranh in thạch bản “Tiếng thét” (1895) của hoạ sĩ Na Uy Edvard Munch, chịu ảnh hưởng lớn từ tranh in khắc Nhật Bản. Lối vẽ bất đối xứng, dâng đường chân trời lên cao hoặc cúp hình cận cảnh của các nghệ sĩ Nhật Bản cũng được các nghệ sĩ tiên phong của châu Âu học tập ngay từ những năm 1860.
Từ ngày 22/1 đến 28/5/2017, tại bảo tàng Fondation Beyeler ở Basel, Thuỵ Sĩ diễn ra một triển lãm quy mô về Claude Monet với 50 kiệt tác của nhà danh hoạ. Bất cứ khi nào có một triển lãm mới của Claude Monet, lập tức xuất hiện những câu hỏi cũ rích: Tại sao lại có thêm triển lãm này? Liệu chúng ta có thể tìm hiểu thêm được điều gì ở một trong những hoạ sĩ được triển lãm nhiều nhất trong lịch sử? Trong trường hợp của triển lãm ở Fondation Beyeler, đánh dấu 20 năm ra đời của bảo tàng, câu trả lời là “rất rất nhiều!” Mục tiêu chính của triểu lãm lần này giới thiệu Monet như một nghệ sĩ “ưa quan sát và rất tò mò” – điều rất ít người biết. Triển lãm tập trung vào cái gọi là “những năm tháng biến động” - sau phát minh về hội hoạ ấn tượng và cái chết của người vợ đầu tiên của ông vào năm 1879, cho đến thời kỳ ở London năm 1904-1905, ngay trước loạt sáng tác cuối cùng”. Trong số những tác phẩm nổi bật, được rút ra chủ yếu từ các bộ sưu tập của các bảo tàng Mỹ và 14 bộ sưu tập tư nhân, là một bức tranh tiêu đề “Nhà đoan gần Varengeville” mượn từ Bảo tàng nghệ thuật Harvard. Theo Ulf Küster, giám sĩ triển lãm, từ các tác phẩm này, Monet đã dần dần phát triển một lối vẽ bóng râm rất đặc trưng.
(The Art Newspaper)
Từ 22/1 đến 28/3/2017, phòng tranh nổi tiếng Galerie Thaddaeus Ropac mở cuộc triển lãm mới của nghệ sĩ Not Vital tại không gian trưng bày Paris Pantin ở Paris Với tiêu đề “Poles” (Các cây sào), triển lãm này bày phối hợp những tác phẩm điêu khắc hoành tráng, hội họa, đồ hoạ và sắp đặt quy mô lớn, cũng là một tổng kết các tác phẩm chọn lọc của Not Vital trong một thập kỷ gần đây. Not Vital là một nghệ sĩ người Thuỵ Sĩ rất độc đáo và không thể xếp loại. Sinh năm 1948 tại Sent, một ngôi làng nhỏ nằm ở cuối thung lũng Engadine trong dãy núi Alps của Thụy Sĩ, ông lớn lên trong khung cảnh thiên nhiên phóng khoáng. Ở tuổi 18, ông bắt đầu một cuộc sống du mục, ngao du qua nhiều nền văn hóa như New York, Ấn Độ, Niger, Brazil, Patagonia, Philippines và Trung Quốc. Trong suốt các chuyến đi, Not Vital liên tục phản ánh về môi trường sống, về mối quan hệ giữa điêu khắc và kiến trúc, về bản tính hoang dã của tự nhiên, động vật và con người … qua các sáng tác “khám phá những ranh giới giữa các hình thức trừu tượng và biểu hình”. Bên cạnh điêu khắc, ông cũng có nhiều công trình nhà thiền nổi tiếng tại Bỉ, Patagonia, Philippines, Indonesia, Amazon, và Niger. Năm 2016, Công viên điêu khắc Yorkshire viên đã tổ chức một cuộc triển lãm bảo tàng lớn nhất của ông nhằm tôn vinh ông như một trong những điêu khắc gia đương đại quan trọng nhất.
