Từ 5/1 đến 4/3/2017, Fraenkel Gallery chuyên về nhiếp ảnh tại San Francisco tổ chức triển lãm những tác phẩm mới của nhiếp ảnh gia người Anh Richard Learoyd. Tất cả các chân dung màu chụp trong studio, tĩnh vật, phong cảnh đen-trắng ở California và Đông Âu trong triển lãm “Richard Learoyd” đều là ảnh chụp bằng máy ảnh tự chế. Phương pháp làm việc độc đáo của Richard Learoyd là sử dụng một hộp chụp ảnh tự chế dạng obscura để tạo ra những bức ảnh phòng tối khổ lớn, có thể tới 85 inches. Cả ảnh studio và ảnh chụp trong thiên nhiên đều lấy chi tiết người hoặc cảnh quan gần như siêu thực làm đối tượng chính với các chủ thể hầu như nằm ngoài tiêu cự, dường như muốn thoát khỏi thị lực người xem. Ảnh phong cảnh đen trắng của ông là sự gặp gỡ những địa hình xa lạ, trên bờ biển California hay các khu vực nông thôn của Bulgaria, Romania và Ba Lan. Dù chụp ảnh một con cá voi mắc cạn hay những tàn tích của một tượng đài, những bức ảnh của ông đều là sự hiện diện mạnh mẽ của những kết cấu, trọng lượng và khối lượng của chủ thể. Tác phẩm của Richard Learoyd hiện có mặt trong nhiều bộ sưu tập lớn như The Metropolitan Museum of Art, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York; SFMOMA, San Francisco; The Getty, Los Angeles; Trung tâm Pompidou, Paris; Tate và Victoria & Albert Museum ở London.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

 Một số tác phẩm trong triển lãm “Richard Learoyd”. ©Richard Learoyd

 

 

Tại gallery Peters Projects ở Santa Fe hiện đang trưng bày triển lãm của điêu khắc gia nổi tiếng Douglas Herren mang tên “Ngoại-Cấu trúc: Bình, Tượng, Bàn” từ 16/12/ 2016 đến 11/2/2017. Douglas Herren nổi tiếng thế giới với những tác phẩm điêu khắc gốm kích thước lớn sơn màu sáng trông giống như các vật thể lai giữa thiết bị công nghiệp và đồ gốm truyền thống. Ngoài màu sắc bắt mắt, các tác phẩm điêu khắc của ông còn có những đặc điểm vui tươi với cấu trúc có hơi hướng vật tổ, tạo nên cảm giác rằng nhiều bộ phận có thể xê dịch, xoay chuyển hoặc có khả năng tái xếp và lắp ráp lại. Được kết hợp theo những cách bất thường và bất ngờ từ những chi tiết bằng gốm và gỗ mô phỏng các bộ phận lắp ghép cơ khí hay thậm chí được lắp ghép từ các bộ phận máy móc bằng sắt và được sơn màu lại, điêu khắc của Herren vừa hàm chứa tính thân mật của đồ gốm vừa tỏa ra sự mạnh mẽ của các công cụ công nghiệp. Các tác phẩm của Herren được lưu giữ trong nhiều bộ sưu tập danh tiếng như Bảo tàng Quốc tế Gốm sứ Faenza, Ý; Bảo tàng Yenggi ở Đài Bắc; Bảo tàng Gốm sứ Quran, Alcora, Tây Ban Nha; Kamm Teapot Collection, Sparta, NC; Bảo tàng Nghệ thuật Fuller, Brockton, MA. Doug Herren sinh năm 1962 tại Pratt, Kansas, có bằng thạc sĩ nghệ thuật của Đại học Quốc gia Louisiana, hiện đang sống và làm việc tại Philadelphia, PA, Hoa Kỳ.

(Art Daily)

 

 

 

 

 

 

Một số hiện vật đang trưng bày tại triển lãm của Douglas Herren mang tên “Ngoại-Cấu trúc: Bình, Tượng, Bàn” tại gallery Peters Projects ở Santa Fe. ©Peters Projects 

 

 

Tại gallery chuyên về nhiếp ảnh nghệ thuật đương đại Yancey Richardson ở New York đang có triển lãm quy mô nhan đề “Tori” (Chim) của nghệ sĩ Masao Yamamoto (sinh năm 1957 tại Aichi, Nhật Bản), từ 8/12/2016 đến 28/1/2017. Các tác phẩm trong triển lãm “Tori” bao trùm một giải phổ sự nghiệp của Yamamoto từ năm 1994 đến nay với chủ đề quan tâm suốt đời của Yamamoto: chim muông. Ông luôn tìm cách nắm bắt được bản chất của các loài chim trong mối liên kết giữa các sinh vật và con người. Từ một con chim bồ câu soi bóng trên mặt hồ cho tới những cánh đại bàng đơn độc trên cao nguyên Mông Cổ, những loài chim muông của Yamamoto đều phản ánh sự mong manh, vẻ đẹp và cái chết không thể tránh khỏi của mọi sinh vật trên trái đất này. Các tác phẩm nhiếp ảnh của Yamamoto thường được in thủ công trên giấy Gampi và trình bày theo kiểu tranh cuộn truyền thống Nhật Bản. Bên cạnh những bức ảnh, triển lãm cũng trưng bày những bài thơ do chính Yamamoto chọn lọc của nhiều thi sĩ nổi tiếng như Wallace Stevens, Seamus Heaney, Emily Dickinson, William Carlos Williams và nhiều người khác. Ảnh của Masao Yamamoto hiện có mặt trong nhiều bộ sưu tập lớn như Harvard University Art Museums, Museum of Contemporary Photography, Chicago, Philadelphia Museum of Art, Museum of Fine Arts, Houston, Princeton University Art Museum, Santa Barbara Museum of Art.

(Art Daily)

 

                  

 

Một số tác phảm của Masao Yamamoto tại triển lãm “Tori”. ©Yancey Richardson Gallery.

 

Năm vừa qua, do nguy cơ khủng bố gần đây gia tăng tại Paris và trên toàn nước Pháp, lượng du khách đến thăm Bảo tàng Louvre đã bị sụt giảm đáng kể so với năm 2015. Giám đốc bảo tàng Louvre Jean-Luc Martinez ước tính năm 2016 chỉ có khoảng 7,3 triệu lượt khách, ít hơn so với năm 2015 là 15%, tương đương với số tiền 10,2 triệu đô. Ông nói thêm rằng doanh thu từ cửa hàng sách và nhà hàng cũng giảm nhiều. Tháng 6/2016, bảo tàng Louvre cũng phải đối mặt với mối đe dọa của lũ lụt và hỏa hoạn, dẫn đến việc phải đóng cửa bốn ngày. Để thu hút khách hơn, bảo tàng đã cải tiến nhiều dịch vụ phục vụ người tham quan. Theo thống kê, khoảng 70% cho biết họ "rất hài lòng" với những trải nghiệm tại bảo tàng Louvre, so với 53% trong năm 2015. Ngược lại, Trung tâm nghệ thuật đương đại Pompidou, cũng ở Paris, đã tăng 9% lượng khách quốc tế, với tổng số 3,3 triệu du khách trong năm 2016. Phải chăng du khách ngày càng thích xem các tác phẩm nghệ thuật đương đại hơn hiện đại và cổ điển?

(artnet, The Art Newspaper)

 

Tác phẩm hút khách nhất tại bảo tàng Louvre là Mona Lisa. ©Imagebroker/Alamy

 

Bảo tàng Louvre bị lũ lụt đe doạ hồi tháng 6/2016. ©Xinhua/Barcroft Images

 

Bên ngoài bảo tàng Louvre luôn có quân cảnh Pháp canh chừng khủng bố. ©Aurelien Meunier

 

 

Ngay những ngày đầu năm 2017, thế giới nghệ thuật chịu một tổn thất lớn: nhà phê bình và nhà văn người Anh John Berger đã qua đời ngày 2/1/2017, thọ 90  tuổi. Nổi tiếng trong cộng đồng nghệ thuật với trước tác “Những cách thấy” (1972), Berger đã có những đóng góp vô song cho lý thuyết văn hóa thị giác và nghệ thuật của thế kỷ 20. Ông cũng thực hiện một seri phim truyền hình 4 tập có cùng tên “Những cách thấy” trên đài truyền hình BBC để giới thiệu những ý tưởng và các bài viết của ông cho đông đảo công chúng. Sự phổ biến của “Những cách thấy” trên BBC đã có một tác động sâu sắc tới văn hóa phương Tây. Cho tới ngày hôm nay, cuốn sách “Những Cách Thấy” của ông vẫn là một trong những tác phẩm then chốt được giảng dạy trong các trường học nghệ thuật trên toàn thế giới. Berger cũng là một nhà văn, nhà thơ và nhà viết kịch tài năng. Ông đoạt giải Booker năm 1972 cho cuốn tiểu thuyết “G”. 

(hyperallergic)

 

John Berger trong một buổi nói chuyện về nghệ thuật tại Bảo tàng Prado ở Madrid vào năm 2010. ©Emilio Naranjo/European Pressphoto Agency.

 

John Berger và Susan Sontag tranh luận về nghệ thuật năm 1983. ©Youtube

 

Hai cuốn sách góp phần ghi tạc tên tuổi John Berger vào lịch sử nghệ thuật thế kỷ 20. ©hyperallergic

 

 

Hội đồng Anh có thể phải bán đấu giá một bức tranh của Francis Bacon nhan đề “Nghiên cứu hình người II” (1945-1946) để gây quỹ. Do bị cắt giảm ngân sách, Hội đồng Anh ở  ở Tây Yorkshire đã đóng cửa hai bảo tàng địa phương trong năm vừa qua, và một bảo tàng thứ ba cũng có nguy cơ đóng cửa trong năm nay. Mặc dù bức tranh “Nghiên cứu hình người II” (1945-1946) của Bacon có giá ước tính 19,5 triệu bảng, các chuyên gia lưu ý rằng nó có thể bán được gấp ba lần số tiền đó - một số tiền lớn có thể đóng góp tài trợ cho các tổ chức văn hóa của thành phố trong những năm tới. Tác phẩm này hiện đang được lưu giữ tại tầng hầm của Bảo tàng nghệ thuật Huddersfield, và hiếm khi được trưng bày do chi phí bảo hiểm quá đắt. Khả năng bán tác phẩm này vẫn có thể bị Hiệp hội Nghệ thuật Đương đại – tổ chức từng trao tặng bức tranh này cho Bảo tàng Bagshaw ở Batley hơn 60 năm trước – ngăn chặn. Một phát ngôn viên của Hiệp hội lưu ý rằng bức tranh này là một "món quà có điều kiện", kèm theo một thoả thuận ‘cấm bán’.

 (The Guardian)

 

Bức tranh “Nghiên cứu hình người II” của Francis Bacon có nguy cơ bị bán đấu giá.  ©Huddersfield Daily Examiner

 

Bức tranh “Nghiên cứu hình người II” xuất hiện trong một triển lãm tại Tata Liverpool tháng 6/2016 (treo trên bức tường bên phải). ©Tate.org.uk 

 

 

Alice Walton – thành viên hội đồng quản trị của Quỹ Walton Family Foundation vừa ra tuyên bố sẽ hiến tặng Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Amon Carter ở Fort Worth một khoản tiền 20 triệu đô - món quà lớn nhất trong lịch sử của tổ chức này. Alice Walton là con gái của người sáng lập Wal-Mart Sam Walton, phục vụ trong hội đồng quản trị tại Bảo tàng Amon Carter từ năm 2004 đến năm 2015. Hiện nay, bà đang là thành viên của Hội đồng quản trị của Walton Family Foundation và là Chủ tịch Hội đồng quản trị của Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Crystal Bridges ở Arkansas. Món quà tặng này là sự tôn vinh nhà bảo trợ nghệ thuật Ruth Carter Stevenson, người mà Alice Walton đã phát triển "một mối quan hệ rất sâu sắc và vĩnh viễn", theo giám đốc điều hành Bảo tàng Amon Carter Andrew J. Walker. "Đây là bằng chứng cho thấy Alice thực sự thừa nhận công lao vĩ đại của Ruth và viện bảo tàng, giúp cơ sở này tiếp tục vươn tới đẳng cấp thế giới." Số tiền hiến tặng này sẽ được phân phối trong năm năm, phục vụ các hoạt động triển lãm, chương trình giáo dục tại bảo tàng Fort Worth.

(Dallas Morning News)

 

Ruth Carter Stevenson, con gái của Amon Carter Sr. tại Bảo tàng Amon Carter năm 1961. Stevenson mất năm 2013, thọ 89 tuổi. ©Amon Carter Museum of American Art

 

Ruth Carter Stevenson năm 2010 và bức tranh “White Birch” của Georgia O'Keeffe mà bà rất yêu thích. ©DFW.cOM/PAUL MOSELEY.

 

Alice Walton hiện là thành viên Hội đồng quản trị của Quỹ Walton Family Foundation. @star-telegram.com

 

Bảo tàng nghệ thuật Hoa Kỳ Amon Carter. ©Amon Carter Museum of American Art.

 

 

Một nữ hoạ sĩ ẩn dật của chương trình không gian của Liên Xô cũ vừa mới đây đã được các phóng viên của AFP ‘phát hiện’ và phỏng vấn. Galina Balashova là nữ hoạ sĩ từng tham gia thiết kế các mô-đun phi thuyền không gian đầu tiên cho phi hành đoàn Liên Xô. Là một kiến ​​trúc sư và một hoạ sĩ, Balashova đã dành ba thập kỷ để thiết kế nội thất của phi thuyền không gian Soyuz và nhiều phi thuyền không gian khác của Liên Xô. Bắt đầu từ năm 1963, cứ vào ngày cuối tuần, bà lại phác thảo nội thất của con tàu Soyuz tại nhà theo yêu cầu của tổng công trình sư Sergei Korolyov, cha đẻ của chương trình không gian Liên Xô với tiêu chí “con tàu phải là một không gian con người có thể sinh sống bình thường”. Sau khi được Korolyov phê duyệt phác thảo, trong đó bao gồm cả những bức tranh phong cảnh vẽ trên tường, bà cũng đã vẽ một số tranh màu nước khác, mà trong thực tế đã có tới 9 bức tranh của Balashova đi vào lịch sử ngành du hành vũ trụ của Liên Xô khi chúng được các kỹ sư và phi hành gia đưa lên các phi thuyền. Mặc dù vậy, Balashova chưa bao giờ được phép ký tên mình lên các tác phẩm này. Hiện nay, Galina Balashova vẫn sống trong một căn hộ nhỏ ở Moscow, tràn ngập sách và những bức chân dung màu nước của gia đình, và hầu như không có dấu hiệu nào cho thấy bà từng có ảnh hưởng lớn đến thiết kế nội thất của nhiều thế hệ tàu vũ trụ của Liên Xô.

 (AFP)

 

 

Galina Balashova, hoạ sĩ, người thiết kế những mô-đun không gian cư trú đầu tiên cho phi hành gia Liên Xô giới thiệu với phóng viên AFP các bản vẽ phác thảo của mình. ©Naira DAVLASHYAN / AFP.

 

 

Nữ hoạ sĩ người Mỹ gốc Cuba Carmen Herrera say mê vẽ trong nhiều thập kỷ, và tới tuổi 89, cuối cùng bà đã bán được 1 bức. Bây giờ, khi đã 101 tuổi, bà mới có được sự công nhận trên toàn thế giới với một cuộc triển lãm hồi cố tại Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney và một bộ phim tài liệu kể lại những năm tháng cuộc đời của bà sống ở New York – hơn 70 năm trời. Herrera sinh ra ở Cuba vào năm 1915, học vẽ từ nhỏ, từng sang Paris để học thêm về nghệ thuật trước khi quay về Havana để học ngành kiến ​​trúc tại Đại học Havana. Các tác phẩm của bà đơn sơ, mộc mạc và trừu tượng, song cực kỳ sống động bởi những sắc màu tươi tắn. Trong thời gian sống cùng với chồng ở Paris sau Chiến tranh Thế giới II, Herrera tham gia một hiệp hội của các nghệ sĩ trừu tượng có tên  là “Salon des Realites Nouvelles” và đã phát triển niềm đam mê của mình với những đường thẳng và mảng màu đơn sắc. Bà tránh xa những đường cong, và thường chỉ dùng tối đa ba màu trong các bức vẽ. Chỉ 10 năm trước, chi nhánh Lisson Gallery tại Chelsea mới phát hiện ra các tác phẩm của Herrera, và kể từ đó, bà đã ‘hiện dần lên trước công chúng’. Bà đã lần lượt có tranh trưng bày tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, Bảo tàng Hirshhorn ở Washington DC, bảo tàng Tate ở London và tại Bảo tàng Whitney.

(AFP)

 

Nữ hoạ sĩ Carmen Herrera, 101 tuổi, tại studio ở New York ngày 04/1/2017. ©Laura Bonilla CAL / AFP.

 

Carmen Herrera, “Iberic”, 1949. ©Carmen Herrera/ Lisson Gallery.

 

Carmen Herrera, “Xanh và Cam”, 1958. ©Carmen Herrera/Lisson Gallery.

 

Carmen Herrera, “Estructura Roja”, 1966/2012.  ©Carmen Herrera/Lisson Gallery.

 

Nữ nghệ si Elizabeth Bick đã giành giải thưởng Rudin 2016 của Bảo tàng Nghệ thuật Norton dành cho nhiếp ảnh gia mới nổi. Elizabeth Bick (Mỹ, sinh năm 1980), người đang hoạt động tại thành phố New York, đã được đề cử cho giải thưởng và là nghệ sĩ thứ ba giành chiến thắng. Elizabeth Bick là một người tiên phong trong nhiếp ảnh đương đại" với những bức ảnh là kết quả lai ghép giữa nghệ thuật trình diễn hậu hiện đại, nghệ thuật múa, và nhiếp ảnh tài liệu. Bick có bằng thạc sĩ nhiếp ảnh của Đại học Yale School of Art và hiện là một giảng viên tại Học viện và Trường nghệ thuật thị giác Pratt. Ba nghệ sĩ được đề cử khác là Wesley Stringer (Mỹ, sinh năm 1985, người đã giành giải "Sự lựa chọn của quần chúng"); Clare Benson (Mỹ, sinh năm 1985) và Alexandra Hunts (Ukraina, sinh năm 1990).

(Art Forum)

 

Beth Rudin DeWoody (trái) - đại diện bảo tàng Nghệ thuật Norton – và Elizabeth Bick trong lễ trao giải Rudin 2016. ©Norton Museum of Art.

 

Elizabeth Bick, “Ba lê đường phố I”, 2015. ©Elizabeth Bick

 

 

Clare Benson, “Still”, 2014. ©Clare Benson.

 

Alexandra Hunts, “Thể chất của thời gian và không gian”, 2015. ©Alexandra Hunts

 

Wesley Stringer. “Vô đề”, 2015. ©Wesley Stringer.

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)