Điểm tin mỹ thuật nhiếp ảnh thế giới – từ 11 đến 18/11/2017
29/12/2017Tại PARIS, Pháp, từ 13/12/2017 đến 26/3/2018, Trung tâm Pompidou đánh dấu kỷ niệm 20 năm ngày mất của César bằng một triển lãm hồi cố. Nổi tiếng ngay từ tuổi 25, César đã có một sự nghiệp nghệ thuật lãy lừng hơn 50 năm. Tuy nhiên, ông là nhân vật quan trọng cuối cùng trong số các nghệ sĩ “Hiện thực Mới” có tác phẩm tại Trung tâm Pompidou. Với hơn 100 tác phẩm trưng bày trong gian nhất của Trung tâm Pompidou - trong đó có những tác phẩm nổi tiếng nhất của ông mà một số đến từ các bộ sưu tập ít được biết đến - triển lãm này cung cấp một cái nhìn tổng quan chưa từng thấy về sự nghiệp của một trong những những nhà điêu khắc vĩ đại nhất trong thời đại ông. Sinh ở Marseille năm 1921, César bắt đầu học nghệ thuật ở đó trước khi lên Paris vào học École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Triển lãm solo đầu tiên, được tổ chức tại gallery Lucien Durand vào năm 1954 đã thành công vang dội. Ông nhanh chóng nổi danh, tác phẩm của ông liên tục được trưng bày ở London và New York.
(AFP)
Một số tác phẩm của César tại triển lãm. ©Centre PompidouCentre Pompidou.
Tại HONG KONG, Trung Quốc, từ 09/12/2017 đến 18/2/2018, Trung tâm nghệ thuật đương đại Para Site giới thiệu triển lãm Manuel Pelmuş: Movements at an ExhibitionMovements at an Exhibition (Các chuyển động trong một triển lãm) - một chương trình solo của nghệ sỹ và biên đạo múa Manuel Pelmuş. Dự án này là một tập hợp các chuyển động do một nhóm nghệ sĩ trình diễn thực hiện, được đóng khung trong khuôn khổ của một cuộc triển lãm. Trong triển lãm này, “chuyển động” được hiểu như là ngữ pháp của vũ điệu và vũ đạo, và cũng là hình ảnh ẩn dụ của các hành động xã hội và phản kháng. Từ những tư liệu ảnh lịch sử hay các bức tranh nghệ thuật về chuyển động của cơ thể người, các nghệ sĩ cùng với biên đạo múa Manuel Pelmuş đã tạo ra ý nghĩa mới của “chuyển động” bằng cách tái tạo các sự kiện lịch sử dưới hình thức sống ngay trước mắt khán giả. Manuel Pelmuş (sinh năm 1974, tại Bucharest, Rumani), hiện sống và làm việc tại Oslo và Bucharest. Ông là một trong những nghệ sĩ hàng đầu của trào lưu “New Performance Turn”.
(Artnews)
Một số tác phẩm tại triển lãm. ©Para Site.
Tại WASSENAAR, Hà Lan, từ 9/12/2017 đến 9/12/2018, Bảo tàng Voorlinden trình bày một triển lãm đồ sộ kéo dài 1 năm, mang tên “Stage of Being” – với 45 tác phẩm với các chất liệu khác nhau của nhiều tên tuổi lớn của thế giới nghệ thuật, là cơ hội quý báu để công chúng được thưởng lãm những tác phẩm ‘mô tả về con người’ với tất cả các cảm xúc và bản năng của người nghệ sĩ, khơi gợi những ưu tư “chúng ta là ai”, “chúng ta liên quan gì tới người khác”, và “chúng ta có còn được hậu thế nhớ đến sau khi ra đi”, hay nói cách khác, bắt họ phải đối mặt với những câu hỏi cơ bản về sự tồn tại. Trong những gương mặt xuất chúng góp tác phẩm trong triển lãm, có Ai Weiwei (1957), Louise Bourgeois (1911 - 2010), Jake & Dinos Chapman (1966 & 1962), Joseph Cornell (1903 – 1972), Tony Cragg (1949), John DeAndrea (1941), Tracey Emin (1963), Antony Gormley (1950), Henk Peeters (1925 – 2013), Rebecca Horn (1944), Michelangelo Pistoletto (1933), Jan Sluijters (1881 - 1957), Pieter Hugo (1976), Thomas I'Anson (1983).
(Art Daily)
Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Voorlinden Museum.
Tại LONDON, Anh, từ 11/12/2017 đến 11/3/2018, Viện Nghệ thuật Hoàng gia giới thiệu triển lãm “From Life” (Từ cuộc sống) - một dự án triển lãm đặc biệt diễn ra khá sát việc sáng tạo nên các tác phẩm từ đời sống có ý nghĩa gì đối với các nghệ sĩ trong suốt chiều dài lịch sử và sự phát triển của những phương thức thực hành nghệ thuật, đặc biệt trong thời đại công nghệ, mở ra những cách mới để tạo ra và hình dung tác phẩm nghệ thuật. Từ những bức phác hoạ cổ, các bức tranh lịch sử, các cuốn phim tư liệu, đến các tác phẩm sử dụng chất liệu đa phương tiện của các nghệ sĩ đương đại, đây là lần đầu tiên, Viện Nghệ thuật Hoàng gia giới thiệu tổng quát những cách thức con người quan sát và thể hiện bản thân và thế giới xung quanh, nhất là những thử nghiệm các công nghệ thực tế ảo, và các chương trình phần mềm nghệ thuật tiên tiến nhất, bao gồm MakeVR Pro. Kinh nghiệm VR của Farshid Moussavi.
(Artnet)
Thomas Rowlandson, “Ký hoạ với mẫu thật tại Royal Academy, (Somerset House)” 1808. © Royal Academy of Arts, London.
Liane Lang, “Casts series (2006-2007): Ars Equina”. ©Liane Lang.
Tại MOSCOW, Nga, từ 8/12/2017 đến 8/1/2018, Trung tâm Nhiếp ảnh Lumiere Brothers tổ chức triển lãm “The Absence of Shame” (Không xấu hổ) của nhiếp ảnh gia tên tuổi người Mỹ Jock Sturges sau nhiều lần phải tạm dừng vì những cáo buộc về “tính nhạy cảm và khiêu dâm”. Các chuyên gia và nhân chứng đã chứng minh các tác phẩm của Jock Sturges hoàn toàn không có các dấu hiệu của bất kỳ yếu tố tội phạm hay khiêu dâm nào, và thừa nhận mức độ nghệ thuật cao của các tác phẩm của ông. Các tác phẩm trong dự án nhiếp ảnh này mô tả các thành viên trong những gia đình ở Pháp, Bắc California, và Ireland, nơi mà Sturges đã tiếp xúc và chung sống trước khi tiến hành thực hiện các dự án nhiếp ảnh. Bắt đầu vào những năm 1970, ông đã chụp những loạt ảnh khỏa thân của cả 3 thế hệ những người mẫu/nhân vật tự nguyện. Những bức ảnh khám phá vẻ đẹp tự nhiên của họ, hoàn toàn tự nguyện và không hề bộc lộ sự xấu hổ hay ngượng ngùng nào.
(Art Forum)
Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Jock Sturges.
Tại AMSTERDAM, Hà Lan, từ 18/11/17 đến 13/01/18, Trung tâm nghệ thuật đương đại Ellen de Bruijne Projects tổ chức triển lãm cá nhân mới của Otto Berchem mang tên “Dive for Dreams” - khám phá các mã xã hội và thị giác, tập trung vào các mối quan hệ giữa ngôn ngữ, kiến trúc, lịch sử và thi ca. Otto Berchem sử dụng rất nhiều chất liệu, bao gồm tranh vẽ, video, nhiếp ảnh, và cả các hành vi can thiệp công cộng; tất cả đều được trình bày trong triển lãm cá nhân này, khảo sát các tín hiệu, các mã, các mối quan hệ giữa con người. Thông qua việc sử dụng các chất liệu khác nhau, bảng màu riêng và lối diễn đạt độc đáo, Berchem đề xuất việc xem xét lại các hình tượng mang tính biểu tượng, tái diễn giải chúng, xóa bỏ các ý nghĩa và khẩu hiệu đã có từ trước, và thay thế bằng cách giải thích của riêng mình. Là một nghệ sỹ người Mỹ đã sống ở nước ngoài trong suốt cuộc đời, điều quan trọng đối với thực tiễn của Berchem là “tạo ra mối quan hệ giữa các trung tâm quyền lực với những gì được coi là ngoại biên.
(The Art Newspaper)
Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Ellen de Bruijne Projects/Otto Berchem.
Tại JAIPUR, Ấn Độ, từ ngày 10/12/2017, Công viên điêu khắc hiện đại đầu tiên của Ấn Độ tại Cung điện Madhavendra, Pháo đài Nahargarh, đã chính thức mở cửa đón công chúng. Thông qua một sự hợp tác giữa Chính phủ bang Rajasthan, trung tâm nghệ thuật Saat Saath Arts và một số nhà tài trợ, Cung điện Madhavendra đã được chuyển đổi thành Công viên Điêu khắc đương đại đầu tiên của Ấn Độ, trưng bày hàng loạt tác phẩm của các nghệ sỹ đương đại hàng đầu của Ấn Độ và quốc tế. Công viên Điêu khắc tại Cung điện Madhavendra là công trình đầu tiên của nhà nước Ấn Độ hợp tác với một tổ chức phi lợi nhuận để hỗ trợ nghệ thuật đương đại, một ví dụ tuyệt vời về việc xây dựng các mối quan hệ đối tác chính quyền – tư nhân trong việc thúc đẩy nghệ thuật công cộng.
(Art Daily)
Một số tác phẩm trong Công viên Điêu khắc Madhavendra. ©Saat Saath Arts.
Tại ROME, Ý, từ 14/12/2017 đến 3/3/2018, gallery Gagosian tổ chức cuộc triển lãm nhiếp ảnh của Andreas Gursky lần đầu tiên ở Ý với loạt tác phẩm trong các dự án “Bangkok” (2011) và “Ocean VI” (2010). Gursky đã chứng minh rằng một nhiếp ảnh gia có thể “tạo ra” hoặc “dựng nên” chứ không chỉ đơn giản là “chụp hình” khung cảnh cuộc sống hiện đại. Theo đuổi mục đích của mình để tạo ra "một cuốn bách khoa toàn thư về cuộc sống", lối nhìn thế giới của Gursky đã là cầu nối giữa “sự chuyển vận triền miên của sự tồn tại” với “sự tĩnh lặng của phản chiếu siêu hình”. Andreas Gursky sinh năm 1955 tại Leipzig, sinh sống và làm việc tại Düsseldorf, Đức. Tác phẩm của ông có mặt trong các bộ sưu tập lớn, bao gồm Tate Modern, London; Bảo tàng Ludwig, Cologne; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; Kunstmuseum Bonn; Kunsthaus Zürich; Kunstmuseum Basel; Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York; Bảo tàng Solomon R. Guggenheim, New York; Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia, Washington, DC; Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại San Francisco, v.v…
(Artnews)
Andreas Gursky, “Bangkok II, 2011”. ©Andreas Gursky/SIAE, Italy.
Andreas Gursky, “Bangkok IV, 2011”. ©Andreas Gursky/SIAE, Italy.
Andreas Gursky, “Bangkok V, 2011”. ©Andreas Gursky/SIAE, Italy.
.
Tại AIX-EN-PROVENCE, Pháp, từ 24/11/2017 đến 11/3/2018, Triển lãm “Botero: Cuộc đối thoại với Picasso”, được tổ chức tại Bảo tàng Hôtel de Caumont, trình bày những sáng tác độc đáo của một nghệ sĩ nổi tiếng người Colombia và khám phá những mối quan hệ nghệ thuật của ông với Pablo Picasso thông qua 60 tác phẩm của Botero và 20 tác phẩm của Picasso, có xuất xứ từ các bộ sưu tập của Musée National Picasso-Paris và Museo Picasso ở Barcelona. Mặc dù có những nguồn gốc, đời sống và nghề nghiệp rất khác nhau, hai nghệ sĩ tuyệt vời này đều có những điểm tham khảo chung về địa lý và văn hoá. Trong thời niên thiếu, Fernando Botero (sinh năm 1932) đã quan tâm đến công việc của Pablo Picasso (1881-1973); ông ngưỡng mộ bảng màu phong phú, sự tưởng tượng và tính phóng túng của Picasso, và đặc biệt ngưỡng mộ “chủ nghĩa bất tuân” (non-conformism) của ông, phản ánh cách tiếp cận hiện đại triệt để trong lịch sử nghệ thuật hội hoạ, vốn là gốc của ngôn ngữ nghệ thuật độc đáo của mỗi nghệ sĩ.
(AFP)
Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Hôtel de Caumont.
Tại MOSCOW, Nga, từ 19/6/2017 đến 4/2/2018, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Moscow trưng bày triển lãm cá nhân của nghệ sĩ nhiếp ảnh nổi tiếng Taus Makhacheva mang tên “Cloud Caught on a Mountain” (Mây đọng trên núi), bao gồm những câu chuyện liên quan đến vùng Dagestan đương đại. Các tác phẩm của Taus Makhacheva “được nói bằng thổ ngữ” với những người bình thường, vật dụng hàng ngày, các tác phẩm nghệ thuật trang trí ứng dụng, cảnh quan, truyền thống gia đình và các tư liệu cũ. Mây núi - ở một khía cạnh nào đó, như Makhacheva đã nói, “thậm chí không thể thờ ơ được; tôi cảm xúc, tôi quan sát, và cuối cùng phát triển chúng thành một đối tượng trong tác phẩm nghệ thuật”. Bằng cách giải quyết chủ thể “mây núi” đặt trong bối cảnh địa phương, Makhacheva muốn đề cập đến các chủ đề rộng lớn hơn liên quan đến lịch sử và di sản văn hoá, đến sự tồn vong của các sắc dân thiểu số trên toàn thế giới, sự phản ánh và đánh giá lại quá khứ trong sự va đập với thực tế đương đại.
(Art Daily)
Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Moscow Museum of Modern Art.
Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)
