Tại NEW YORK, Mỹ, vào đêm 15/11/2017, trong phiên đấu giá ở nhà Chrisite’s, bức họa “Salvator Mundi” được cho là của Leonado da Vinvi đã bán được 450 triệu đôla, một mức giá cáo nhất từ trước đến nay dành cho một tác phẩm nghệ thuật bán tại một nhà đấu giá. Dù nó không phải là một kiệt tác hấp dẫn và vẫn chứa đựng một dấu hỏi lớn về nguồn gốc, song theo nhà đấu giá, nó vẫn là “sự khám phá nghệ thuật vĩ đại và bất ngờ nhất của thế kỷ 21”. Danh tính người mua hiện vẫn chưa rõ. Theo một số người, đó có thể là nhóm tỷ phú Châu Á. Một số người khác cho rằng bức tranh đã bán cho một tỷ phú Nga. Nhiều người khác lại tin rằng Viện bảo tàng Louvre ở Abu Dhabi mới là chủ nhân mới của nó. Tác phẩm này từng được trưng bày tại London năm 2011 sau nhiều năm các chuyên giá nghiên cứu tính xác thực của nó. Trước phiên đấu giá, nhà Christie’s đã trưng bày bức tranh trên khắp thế giới, và gần 30.000 người đã xem nó trực tiếp tại Hồng Kông, London, New York và San Francisco.

(AFP)

 

Bức tranh “Salvator Mundi” trưng bày tại nhà Christie's New York trước phiên đấu giá. ©Getty Images.

 

Một cảnh trong phiên đấu giá bức tranh tại nhà Christie's ngày 15/11/2017. ©AFP.  

 

Tại NEW YORK, Mỹ, từ ngày 3/11/2017 đến 28/1/2018, Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney tổ chức cuộc triển lãm hồi cố lần đầu tiên dành cho nghệ sĩ, nhà thơ, nhà báo và nhà hoạt động Jimmie Durham mang tên “Jimmie Durham: Tại Trung tâm Thế giới”. Ông hiện là một trong những nhân vật hấp dẫn và đa dạng nhất đang lhoạt động trên trường quốc tế. Có khoảng 120 tác phẩm được sáng tác từ năm 1970 đến nay, bao gồm điêu khắc, tranh vẽ, ghép ảnh, ảnh, và video. Trong gần 5 thập kỷ trở lại đây, Durham đã tạo ra một nghệ thuật vừa sâu sắc vừa mang tính châm biếm, thường nêu ra các câu hỏi về tính xác thực và phơi trần những hậu quả của chủ nghĩa thực dân, cả ở Hoa Kỳ lẫn trên toàn cầu. Jimmie Durham sinh năm 1940 tại Houston, Texas. Tác phẩm của ông hiện có mặt trong nhiều bảo tàng lớn, ví dụ như Viện Nghệ thuật Chicago; Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại, Chicago; Tate Modern, Trung tâm Pompidou, Paris; Bảo tàng van Hedendaagse Kunst, Antwerp; Bảo tàng Stedelijk for Actuele Kunst, Ghent; Bảo tàng nghệ thuật hiện đại Ailen, Dublin; và Museo Jumex, Mexico City.

(Art Daily)

 

 Jimmie Durham, “Đầu”, 2006. Gỗ, giấy, tóc, khay kim loại. ©Fondazione Morra Greco, Naples, Italy.

 

 Jimmie Durham, “Chân dung tự hoạ”, 2006. Ảnh màu. ©Center for Art and Media, Karlsruhe.

 

 

Tại LINZ, Áo, từ 10/11/2017 đến 28/1/2018, Bảo tàng nghệ thuật Lentos trưng bày triển lãm mang tên “Valie Export: The Archive as a Place of Artistic Research”, một cơ hội cho công chúng tìm hiểu về sự nghiệp của một trong những nghệ sĩ đương đại nổi tiếng nhất của Áo và thế giới. Valie Export tên thật là Waltraud Lehner, sinh ra ở Linz vào năm 1940, học tại trường nghệ thuật và thủ công ở đó. Năm 1964, cô tốt nghiệp trường kỹ thuật cao cấp cho ngành dệt, ở Vienna. Từ năm 1967 cô đã sử dụng tên Valie Export là một khái niệm và biểu tượng nghệ thuật. Trong nhiều thập kỷ qua, Valie Export đã được coi là một trong những nghệ sĩ quốc tế quan trọng nhất của ​​Áo. Bà đã tham gia nhiều sự kiện nghệ thuật đương đại lớn như Documenta và Venice Biennale. Là người tiên phong của điện ảnh avantgarde và thử nghiệm, cũng là một trong những nghệ sĩ đa phương tiện truyền thông được đánh giá cao nhất trên thế giới, bà đã được Công hoà Áo tặng thưởng “Huy chương Vàng vì những Cống hiến”.

(Artnews) 

 

 

 

 

 Một số tác phẩm tại triển lãm. ©LENTOS

 

Tại VIENNA, Áo, từ 10/11/2017 đến 24/6/2018, Bảo tàng nghệ thuật hiện đại MUMOK tổ chức cuộc triển lãm lớn mang tên “Nghệ thuật vào cuộc sống! Nhà sưu tập Wolfgang Hahn và thập niên 1960”. Wolfgang Hahn (1924-1987) từng là trưởng phòng phục chế tại Bảo tàng Wallraf-Richartz, và sau đó là Bảo tàng Ludwig ở Cologne. Trước khi đào tạo làm người phục chế, ông đã dành 5 năm nghiên cứu lịch sử nghệ thuật. Ông được coi là một trong những nhà sưu tập và phổ biến nghệ  thuật lừng danh nhất nước Áo và châu Âu thế kỷ 20. Xuất phát từ quan điểm của nhà phục chế và sử gia nghệ thuật, Hahn đã nhìn nghệ thuật trong bối cảnh lịch sử. Ông đã lập hồ sơ về những gì đang diễn ra và thu thập không chỉ các tác phẩm mà còn các ấn phẩm và tài liệu. Bộ sưu tập nghệ thuật, kho lưu trữ, và thư viện của ông là những bằng chứng ​​thời đại, đưa ra một cái nhìn mới của nghệ thuật trong những năm 1960 và 1970, vượt qua các khái niệm lịch sử nghệ thuật và địa lý thông thường.

(Artnet)

 

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©MUMOK.

 

 

Tại HAMBURG, Đức, từ 25/10 đến 03/12/2017, Bảo tàng nghệ thuật Hamburg  mở triển lãm các tác phẩm của nghệ sĩ Ấn Độ Tejal Shah mang tên “Tejal Shah: Unbecoming”. Thực hành thẩm mỹ của nữ nghệ sỹ người Ấn Độ Tejal Shah (sinh năm 1979) bao gồm video, nhiếp ảnh, trình diễn, bản vẽ, tác phẩm âm thanh và các sắp đặt không gian. Nổi tiếng với những tư tưởng thần bí, nữ quyền và tư tưởng Phật giáo, tác phẩm của Shah là những câu hỏi về những khác biệt có tính hệ thống nhị nguyên, về bạo lực và quyền lực, về tình yêu và sự phục hồi. Đặc biệt trong bối cảnh đất nước quê hương Ấn Độ của cô, vị trí nghệ thuật độc đáo của Shah là một bằng chứng về lòng dũng cảm, nổi bật về chất lượng và sự độc lập. Tejal Shah từng ở viện Công nghệ Hoàng gia Melbourne, Úc và Viện Nghệ thuật Chicago ở Hoa Kỳ. Cô đã tham gia rất nhiều triển lãm quốc tế; phim của cô cũng đã dự nhiều liên hoan phim lớn.

(Art Daily)

 

 

 

 

Một số cảnh trích từ các video của Tejal Shah. ©Mumbai & Barbara Gross Galerie, Munich.

 

 

 Tại PARIS, Pháp, từ ngày 18/10/2017 đến 29/1/2018, Bảo tàng Louvre trưng bày triển lãm mang tên “Phác hoạ ngoài trời: Những biến điệu của phác hoạ từ thiên nhiên trong nửa đầu TK 19”, đặc biệt tập trung vào các nhân vật hàng đầu của nghệ thuật Pháp thời đó như Delacroix, Corot, Chassériau, Valenciennes và Daubigny, … cũng như các cá nhân ít được biết đến hơn, chẳng hạn như hoạ  sĩ tranh khắc Bléry. Được tổ chức với sự hỗ trợ đặc biệt của Thư viện QUốc gia Pháp và sự hợp tác của Bảo tàng Orsay, triển lãm trưng bày hơn 100 bản vẽ và tranh khắc cùng 30 sổ tay ký hoạ - những công cụ không thể thiếu được của các họa sĩ “đi vẽ ngoài trời” (plein-air). Trong lịch sử mỹ thuật, thực hành đi vẽ trực tiếp “ngoài trời” lần đầu tiên được ghi nhận là vào TK 17 ở Pháp (và châu Âu), trở nên phổ biến trong TK 18, và được coi là một phần bài luyện tập của mọi sinh viên mỹ thuật thời đó. Có rất nhiều bản vẽ ngoài trời hoàn toàn xứng đáng là những tác phẩm nghệ thuật hoàn chỉnh.

 (AFP)

 

 

Diaz de la Pena, Phong cảnh đường rừng. ©RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay).

 

François Marius Granet, Lợp mái nhà. ©RMN-Grand Palais (Musée du Louvre).

 

Achille Bénouville, Phong cảnh Frascati. ©Musée du Louvre.

 

Daubigny, Bữa trưa trước lúc đi Asnieres.  ©RMN-Grand Palais (musée du Louvre)

 

 

Tại BOLOGNA, Ý, từ 10/10/2017 đến 11/2/2018, Bảo tàng nghệ thuật Palazzo Albergati mở triển lãm “Duchamp, Magritte, Dalì – Những cuộc cách mạng của TK 20”. Với hơn 200 tác phẩm đến từ Bảo tàng Israel, Israel, triển lãm này minh hoạ cho sự quyết tâm của các nghệ sĩ tiên phong muốn làm cách mạng nghệ thuật, phá vỡ quá khứ, và tạo ra một thế giới mới. Sự kết nối giữa Dada, Surrealism, và Bảo tàng Israel đã bắt đầu hơn 50 năm trước và từ đó đã phát triển thành một mối quan hệ sâu sắc và lâu dài. Nhờ phần lớn những món quà hào phóng của các nhà tài trợ và nghệ sĩ, Bảo tàng đã có thể hình thành nên một bộ sưu tầm ngoạn mục các tư liệu và tác phẩm của Chủ nghĩa Siêu thực và trào lưu Dada, bao gồm tất cả các chát liệu đã được các nghệ sĩ sử dụng trong các phong trào mang tính đột phá này. Trong số các tác phẩm nổi bật nhất tại triển lãm, có “Le Chateau de Pyrenees” (1959) của Magritte, “Surrealist Essay” (1934) của Dalí, “L.H.O.O.Q.” (1919/1964) của Duchamp, và “Main Ray” (1935) của Man Ray. 

 (The Art Newspaper)

 

 Một gian trong triển lãm. ©Palazzo Albergati Museum.

 

Jean Crotti, “Vô đề”, 1920. Màu nước và cắt dán. ©The Israel Museum/Jean Crotti by SIAE 2017.

 

 

Tại BERLIN, Đức, từ 10/11 đến 16/12/2017, Phòng tranh Contemporary Fine Arts trưng bày triển lãm cá nhân của Maki Na Kamura (sinh ở Osaka, Nhật), mang tên "Début". Trong khi nhiều họa sĩ bắt đầu bằng phác thảo, công việc chuẩn bị của Maki Na Kamura liên quan đến việc so sánh hình ảnh. Làm như vậy, tác giả đóng vai trò của nhà sử học nghệ thuật, sử dụng các tác phẩm của mình nhằm tiết lộ các tài liệu tham khảo từ những tác phẩm của các thời đại khác nhau. Hội hoạ của Na Kamura là sự tổng hợp các sáng tác của các họa sĩ đi trước, như Giorgione, Nicholas Poussin, Puvis de Chavannes, và Jean-François Millet, tuy nhiên, trong quá trình vẽ của riêng mình, cô không quan tâm đến các họa tiết và hình tượng tượng của những người tiền nhiệm nữa. Cách tiếp cận và cấu trúc tranh của Na Kamura luôn là sự phủ định, hoặc đúng hơn, là sự xoá mờ dấu vết của các tư liệu lịch sử nghệ thuật. Maki Na Kamura tốt nghiệp  Đại học Nghệ thuật Aichi, Nhật Bản và Học viện nghệ thuật Düsseldorf, Đức. Hiện nay nữ nghệ sĩ sống và làm việc ở Berlin.

(Art Forum)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Contemporary Fine Arts/ Maki Na Kamura.

 

 

Tại OXFORD, Anh, từ 11/11/2017 đến 18/2/2018, Phòng tranh Modern Art Oxford trưng bày triển lãm lớn mang tên “Hannah Ryggen: Những câu chuyện lịch sử trên thảm”, giới thiệu các tác phẩm của nữ hoạ sĩ Hannah Ryggen (1894-1970), một trong những nghệ sĩ nổi bật nhất của vùng Scandinavia trong TK 20. Ryggen nổi tiếng với các tranh thảm hoành tráng phản ánh mối quan tâm về xã hội và chính trị của thời đại. Triển lãm gồm từ bức chân dung tự vẽ đầu tiên vào năm 1914 đến những tấm thảm của thập niên 1950 - 1960, trong đó có 16 tác phẩm lớn đến từ Na Uy và Thụy Điển, cung cấp cho khán giả cơ hội khảo sát sự nghiệp của một nhân vật nổi tiếng Bắc Âu nhưng ít được biết đến tại Anh. Tác phẩm của bà đề cập tới rất nhiều vấn đề quốc tế, từ sự nổi lên của chủ nghĩa phát xít (“Ethiopia”, 1935), sự chiếm đóng của Na-uy (“6 October 1942”, 1943), sự gia tăng điện hạt nhân (“Mr. Atom”, 1952) và Chiến tranh Việt Nam (“Blood in the Grass”, 1966).

(Art Daily)

 

 

 

 

Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Modern Art Oxford.

 

 

Tại NEW YORK, Mỹ, từ ngày 16/11/2017 đến 6/1/2018, phòng trưng bày Sous Les Etoiles giới thiệu triển lãm “Turbulent America” – cuộc triển lãm đầu tiên của nhiếp ảnh gia gạo cội Jean-Pierre Laffont, người Mỹ gốc Pháp, tại gallery này. “Turbulent America” ​​trưng bày một số tác phẩm của Jean-Pierre Laffont từ những năm 1960 – 1980, nắm bắt được cảm giác chính xác của một người trong cuộc sống ở Mỹ trong những thập kỷ này. Theo tác giả, “những hình ảnh cho thấy sự hỗn loạn, sự phát triển trong đau đớn của đất nước chúng ta ngày hôm nay.” Sinh năm 1935, Jean-Pierre Laffont từng học nhiếp ảnh tại Arts et Métiers, Thụy Sĩ, trước khi nhập cư vào Mỹ năm 1965, nơi ông bắt đầu sự nghiệp với tư cách phóng viên ảnh. Sau khi gia nhập cơ quan thông tấn Gamma, ông bắt đầu làm các bộ ảnh – mà sau này rất nổi tiếng - về các phong trào chính trị và xã hội ở Mỹ, ví dụ như những cuộc phản chiến thời kỳ chiến tranh Việt Nam hoặc Phong trào Quyền công dân. Năm 1973, cùng với vợ là Eliane, ông là đồng sáng lập Sygma Photo News.

(The Guardiant)

 

 

 

 

 

 Một số tác phẩm trong triển lãm. ©Jean-Pierre Laffont/ Sygma Photo News.

 

 

Andrea Tran (Tổng hợp và lược dịch)